Quintanápolis

ARNO SCHMIDT (1914-1979)

2011-08-01T22:44:00.004-02:00

Tratándose de un autor cuyas traducciones escasean (desde 1973 se tradujeron al español sólo seis de sus libros; teniendo en cuenta que entre 1949 y 1979 escribió casi cincuenta obras, es bastante poco), es un motivo de felicidad la aparición de un libro de relatos de Arno Schmidt, el novelista que fue calificado por Hermann Hesse como “un auténtico poeta”

Arno Schmidt. En una fotografía de su esposa, Alice, circa 1935, cuando aún era un autor inédito.

Pareciera que todas las lenguas poseen su propio desbaratador de la gramática. El inglés tiene a James Joyce, el español a Guillermo Cabrera Infante, el italiano a Carlo Emilio Gadda, el francés a Louis-Ferdinand Céline y el alemán tiene a Arno Schmidt.

¿Qué es un desbaratador de la gramática? En particular se trata de un escritor que siente especial predilección por los juegos del lenguaje, que se siente tentado a hacer juegos de palabras sin parar, que ama las disonancias y las rimas, y a veces las busca y a veces les escapa. Pero especialmente se trata de autores intraducibles.

Claude Riel, el traductor por antonomasia de Arno Schmidt al francés, definía exactamente así su literatura: intraducible. Desde que a instancias de Julio Cortázar el editor argentino Paco Porrúa le encargó a fines de los años 60 al argentino Luis Alberto Bixio la traducción de Die Gelehrtenrepublic (La república de los sabios), se estableció un cierto modo improbable de traducir a Schmidt. Las sucesivas ediciones argentinas y españolas de sus libros –pocos, apenas media docena, a pesar de la fastuosidad de su obra (ocho novelas, diez nouvelles, dos volúmenes de cuentos, cinco de ensayos, una biografía de La Motte Fouqué, un estudio sobre Karl May, diversos tomos de correspondencia e innumerables fragmentos dispersos)– tomaron esa primera traducción de Bixio como un modelo a seguir, como un patrón, una meta. Bixio se había caracterizado por la total ausencia de notas al pie (los libros de Arno Schmidt las reclaman de a docenas a cada página) y la neutralidad habitual en los buenos traductores argentinos (neutralidad de la que obviamente carece la traducción del Corazón de piedra, a cargo de los españoles Jaime Siles y Ela María Fernández-Palacios y El brezal de Brand, a cargo del español Fernando Aramburu).

Como con pocos autores, los adictos a Schmidt, ávidos como viven de traducciones de sus libros, son capaces de tolerar –y lo que es peor: festejar– la aparición de sus libros sin importar el grado de incomprensión de sus traducciones. Por suerte los relatos de Meteoro de verano fueron prolijamente (tal vez demasiado prolijamente) traducidos por Gabriela Adamo. Digo “demasiado prolijamente” porque desde los tiempos de Bixio los traductores de Schmidt habían decidido pasar por alto la manía schmidtiana de otorgarles a los signos de puntuación el mismo peso visual que se les otorga a las palabras. Adamo se mantiene fiel a la fuente y el resultado es muy atractivo visualmente, pero de dificultosa lectura. Pero, insisto, son menudencias en medio de la algarabía general, como cuando en el medio de una fiesta alguien rompe un vaso: la cosa carece de importancia.

Meteoro de verano reúne 23 relatos escritos a fines de los años 50 y en ellos toda la batería de Schmidt está a la vista: la extraordinaria atención que presta a las conversaciones casuales que tienen lugar a sus espaldas, los gestos mínimos, las observaciones precisas imprevistas. Ya lo dijo Günter Grass en un ensayo que le dedicó a Schmidt en Ensayos sobre literatura: “No conozco a otro escritor que haya oído con tanta atención a la lluvia, que contradijera tantas veces al viento y que otorgara a las nubes apellidos tan literarios”. La reunión de los relatos, debida a la mano de un editor alemán desconocido, posee cierta lógica: son todos “miscelánicos”, en el sentido de que no poseen la organización y el peso de los grandes relatos. Son momentos, breves instantes narrables (o que, mejor dicho, Schmidt hace narrables. Dudo que cualquier otro escritor pudiera hacer lo mismo a partir de la materia prima nimia de la que Schmidt dispone).

Entre ellos destacan El tamborilero del zar (donde el narrador se instala en un bar de choferes de larga distancia, personas que han vivido algo o que aún lo están viviendo –y con vehemencia–), El canto del medidor (donde el narrador prefiere pararse junto a las escaleras mecánicas de un shopping para poder oír cómo “corre la lluvia de caras y voces”), y la serie final de relatos protagonizados (en realidad “narrados”) por el agrimensor Stürenburg, alguien cuyos relatos “podrían hacer bajar a los pájaros de los árboles”.

De modo que se trata de veinte cuentos inéditos en español, bien traducidos y hermosamente editados. Son difíciles de leer (todo Arno Schmidt es difícil de leer). W.G. Sebald calificaba la escritura de Schmidt como “accionismo verbal dinámico”. Sebald no conseguía ver más que a un autor, un “artista de la palabra sin concesiones”, “diligente y obstinado en su trabajo de marquetería lingüística”. Compara a Schmidt con un aficionado a las manualidades que ha encontrado un procedimiento y fabrica así, una y otra vez, lo mismo, imperturbable. Proviniendo de Sebald, quien concebía la literatura con la precariedad teórica de un profesor de colegio secundario, se trata de un elogio.

La prisión de la carne

2009-08-26T15:24:00.000-02:00

Shinya Tsukamoto es un realizador que se preocupa como pocos por los miedos del hombre moderno, por el enfrentamiento entre la mística carnal y la abyección tecnológica que le rodea y aprisiona, bien sea en forma de civilización o de entorno virtual. Tetsuo, su primer éxito internacional, puede considerarse un filme fundacional, una sobresaliente y trasgresora apología cyberpunk que busca puntos de fuga en el lenguaje cinematográfico utilizando la plástica de las imágenes como hilo conductor de un discurso desmedido y surrealista.

Luis Rueda | No es de extrañar que dentro del género de ciencia ficción se considere a Tetsuo, el hombre de hierro ( Tetsuo, 1989) una de las más relevantes películas del movimiento cyberpunk. El filme del japonés Shinya Tsukamoto intenta plasmar con la mayor rotundidad e inmediatez la “castradora” relación del hombre del fin de siglo XX con un entorno tecnificado —especialmente en lo que se refiere a los nuevos entornos invisibles como Internet o la telefonía móvil—.

El realizador japonés persigue en todo momento la plasmación fílmica de una dualidad inherente al “nuevo” hombre contemporáneo, aquella que le hace convivir con la máquina en un estado permanente de fascinación y, a la vez, le hace ver ese estadio como un yugo opresor y deshumanizante. Tetsuo explica la kafkiana desventura de un oficinista (Tomoro Taguchi) que tras atropellar con su vehículo a un hombre, el llamado “fetichista del metal” —una suerte de moderno Fausto interpretado por el mismo Tsukamoto—, intenta deshacerse de su cadáver en el bosque. Dada la excitación que le provoca el accidente, Taguchi da rienda suelta a sus impulsos y hace el amor con su mujer mientras el cadáver les observa tirado en el suelo. El homicida sufre al día siguiente una maldición que convierte progresivamente su cuerpo en un informe amasijo de metal y su vida en un auténtico calvario. El filme está construido a la manera de una fábula terrorífica de contundencia cronenbergiana, aunque en este caso la carne da paso a una tumefacción que sustituye el elemento vírico por el tecnológico —no en vano Tetsuo tiene enormes similitudes estéticas y morales con el filme La mosca (The Fly, 1986) de David Cronenberg.

Tetsuo es un filme francamente interesante tanto por su irreverencia narrativa como por su intensidad visual. Cabe señalar que el universo personal de Tsukamoto está enormemente marcado tanto por el expresionismo alemán de filmes como Metrópolis (Metropolis, 1927) de Fritz Lang como por las kaiju-eiga (películas de monstruos) tradicionales de su país. La simbiosis de ese universo personal y emocional hace que Tetsuo sea un filme que experimenta con la teatralidad y la exageración gestual del cine alemán de entreguerras así como con la artificiosidad del bajo presupuesto de los largometrajes protagonizados por los populares “mecha” —robots gigantescos tripulados por hombres—.

El filme está rodado en 16mm y, según el deseo del director, la idea era dar mayor viveza al metal empleando el blanco y negro. El realizador suplió la falta de recursos económicos desarrollando soluciones de trabajo tales como reciclar viejos televisores desguazados y luego adaptar los componentes electrónicos al cuerpo de los actores mediante una pasta de arcilla, pero dicha economía u optimización de medios no evitó que Tsukamoto tomara algunas decisiones artísticas de alto riesgo como, por ejemplo, la idea de filmar plano a plano la transmutación de Taguchi en máquina, efecto que condicionó el plan de rodaje alargándolo casi dos años. Como resultado el director de Vital consiguió que los imperceptibles fallos de raccord, casi infinitesimales, generados por esta técnica próxima a la stop-motion, provocaran un efecto óptico vitriólico y enervante en la retina del espectador.

Tetsuo es pues una película independiente que conjuga ejemplarmente su adscripción al cine gore a la vez que especula con un vanguardismo visual y narrativo tan cercano al mundo del videoclip como al de pretéritos mundos surrealistas propios de Luis Buñuel o Jean Epstein.

Al rimo sincopado del filme habría que unir otros aspectos como la parcial ausencia de raccord o la libertad del punto de vista que adopta la cámara. Un ejemplo de esto último lo hallamos en el instante en que Taguchi hace el amor con su mujer en el bosque y nosotros lo vemos a través de un monitor de televisión mal sintonizado. Poco después, averiguamos que ese plano es la mirada tecnificada del hombre “fetichista del metal” que les observa moribundo mientras copulan. Tsukamoto utiliza la cámara subjetiva para introducirnos en un universo de virtualidad ramificada, un universo que a menudo se confunde con la pesadilla y nos sugiere un interesante juego de espejos.

El sustantivo que concreta ese “escaneo” de la mente asociado a la máquina es el de “tecnosurrealismo” y de él se deriva ese retrato de los espacios virtuales contaminados por la fragilidad, el miedo y la decadencia del ser humano. Esa idea, latente en Tetsuo, de descargar el spam o el residuo onírico del cerebro como si se tratase del disco duro de un ordenador es clave para entender la filosofía cibernética, no en vano el ser humano como interfaz es un tema recurrente en filmes posteriores como Johnny MnemonicDías Extraños (Strange Days, 1995) de Kathryn Bigelow o Matrix (id., 2000) de los hermanos Wachosky. (1995) de Robert Longo,

Japón es un país que tradicionalmente ha incorporado la iconografía tecnológica fantacientífica a su cultura popular tanto en el manga como en la televisión con híbridos cibernéticos, “mechas” o superhéroes catódicos que nos llevan desde Mazinger Z y Ultraman hasta Gosth in the Shell de Mamoru Oshii en un recorrido estético francamente consecuente. Todo ese legado pop ha sido el caldo de cultivo para que, a mediados de la década de 1980, el país del Sol naciente se convirtiera en el referente máximo de una nueva cultura que el crítico Toshiya Ueno bautizó con el término “Techno-Orientalism”.

En un orden estético el aspecto mas destacable del tecno-orientalismo, en mi opinión, es que su vocación pagana y “semiespiritual” asume un catálogo irreverente que abarca sadianos postulados tribales y antropológicas formas de expresión como el body-art. La idea del cuerpo como campo de batalla frente a la tecnocracia y al nepotismo, es ciertamente liberadora: todo cyberpunk integrista que se precie sueña ser un ángel liberado de la carne, la tecnología y sus estadios derivados (el llamado entorno virtual) son ese Parnaso prometido que en última instancia romperá las cadenas que limitan el alma humana. El hombre sueña con expandirse más allá de sus límites fisiológicos.

La doctrina de Tsukamoto expone que durante el tránsito en que el cerebro es abducido por la globalidad tecnológica (que ha de destruir el cuerpo), lo lógico es que se potencie la conducta sexual, el instinto depredador y primitivo del hombre. Por ello, Tetsuo es un filme de enorme contenido erótico que juega con la mecánica del sadismo y recrea dantescas secuencias de bestialidad. Un ejemplo de ello es el enorme falo-taladro con el que Taguchi empala literalmente a su mujer o las pesadillas que esta última protagoniza en la mente enferma de Taguchi: en ellas la chica es un ser cuyo falo endoscópico invita abruptamente a una exploración rectal.

Pero la mecánica de Tetsuo no ahonda en filosofías retrofuturistas o en pasquines “tecnochamanistas”. Sin negar su discurso cyberpunk, hemos de entender que estamos esencialmente ante un filme profundamente nihilista que concentra en un personaje común de las calles de Tokyo todos los síntomas de una sociedad enferma; la misma sociedad que lleva a miles de jóvenes a encerrarse en sus habitaciones durante años conectados a una virtualidad mucho más satisfactoria que el mundo real. Tsukamoto ha crecido con el sentimiento de muchos de esos jóvenes y, por ello, su cine, a menudo adscrito al género de terror, va mucho más allá y se convierte en cine denuncia. Los postulados pseudo-anarquistas, así como cierta utopía apocalíptica, son aspectos obvios de su filmografía. Películas como Tetsuo o Tetsuo 2 son un reflejo innegable de la decadencia social de finales del siglo XX: un rebrote del ideario punk de finales de la década de 1970.

De hecho, la filmografía de Tsukamoto ha ido muy pareja a esa idea de retratar la deshumanización de la sociedad nipona. Tras el barroquismo manga, de enorme potencial iconográfico en Tetsuo y Tetsuo 2, su cine se centra más que nunca en la soledad del hombre contemporáneo, en su falta de arraigo vital. Filmes como Tokyo Fist (Tokyo-ken, 1995), una reflexión sobre la violencia como vía hacia la autoestima, Bullet Ballet (1998), extraordinario filme que especula sobre el azar y la muerte con un revólver como macguffin emocional, Gemini (Soseiji, 2002), la perturbadora historia de dos gemelos ambientada en la época Meiji, o Snake of June (Rokugatsu nol hebi, 2002), con el sexo y el voyeurismo como eje central de las relaciones humanas conforman un recorrido de iniciación sumamente consecuente con su discurso. Pero quizás el mayor ejemplo de ese recorrido lo encontramos en su último filme Vital, una cruel y sugestiva metáfora que sustituye la quincalla “filotecno” o el revolver omnipresente en Bullet Ballet, por el bisturí afilado con el que su protagonista se propone revivir una historia de amor y un nuevo conducto de aprendizaje emocional a través de las vísceras de su novia muerta.

Tsukamoto, lejos de domesticarse, ha ahondado, a lo largo de su carrera como realizador, en su perturbador universo ampliando su discurso, buscando nuevos elementos que hagan entender el papel del hombre acosado por la postmodernidad y el decorado fantasmal de la metrópoli. El realizador ha estilizado la ferocidad de su ingenio y quizás, lo más importante, ha aprendido a ser con el tiempo mejor director de cine, mejor guionista y mejor director de fotografía.

Quizás para entender mejor su naturaleza irreductible tengamos que retomar Tetsuo y detenernos en su secuencia final: aquella que nos muestra al hombre “fetichista del metal” y a Taguchi conformando una simbiosis gigantesca, orgiástica, a modo de argamasa inorgánica, de surrealista “mecha” recorriendo las calles de Tokyo. Los protagonistas de Tetsuo han trasmutado y representan un nuevo ser que ansía el Apocalipsis. Por ello, ese nuevo hombre, esa fusión de carne tecnificada grita desafiante: “¡Qué maravillosa sensación! Podemos convertir el mundo en metal y que se oxide hasta el estado de polvo cósmico. Nuestro amor puede destruir este mundo de mierda. ¡Destruyámoslo!”.

Vía: www.judexfanzine.net

Tim Burton en el pais de las maravillas

2009-08-22T00:54:00.002-02:00

SAN DIEGO, EEUU (Reuters) - El trailer promocional en tres dimensiones de la película de Tim Burton para Walt Disney "Alicia en el País de las Maravillas" ha sido lo más comentado en Comic-Con, en parte gracias a la sorpresa de la aparición de Johnny Depp en la pantalla.

Depp hace de "el Sombrerero Loco" en la nueva película, que se estrenará en las salas en marzo de 2010. Burton hizo su primera aparición en la gran convención del cómic y la cultura pop desde 1970, cuando Comic-Con presentó diapositivas de la película "Superman".

El director bromeó con que había traído diapositivas de sus vacaciones porque no había hecho muchas grabaciones filmadas de su nueva "Alicia". Después se sentó con Reuters para hablar sobre su nueva película.

P: ¿Puede explicar su visión de "Alicia en el País de las Maravillas"?

R: No, porque todavía tengo mucho por hacer. (risas) Quiero decir, estamos intentando hacer una película. Veo las versiones y... es el tipo de material parecido a un cómic, aunque no se si he visto alguna vez una película basada en él que realmente me gustase, ya que siempre es una serie de extraños sucesos. La locura de todo el mundo y la típica pequeña niña pasiva rondando sin rumbo episodio tras episodio. Por tanto, aunque los libros y las historias son características, nunca he sentido que hubiera una película que realmente hiciera una versión, trasladase la historia a la película. Así que es la intención.

P: ¿Qué tomó del material original de Lewis Carrol?

R: Está basada en todo el material de Lewis Carrol, incluyendo el "poema sin sentido". Las antiguas películas de "Alicia" son siempre una típica chica deambulando pasivamente con muchos personajes extraños. Intentamos tejer una historia que tenga emoción y que tenga sentido.

P: ¿Ha vuelto a ver las antiguas películas de "Alicia"?

R: He visto muchas de las diferentes versiones de "Alicia" a lo largo de los años. Sé que hubo un musical porno y recuerdo verlo en los 70'. Y muchas otras versiones diferentes.

P: ¿Piensa en el público antes de hacer una película?

R: No realmente. (risas) Quiero decir, porque no creo que realmente se pueda. Cuando hice "Pesadilla" ("Pesadilla antes de Navidad"), la gente pensó que fue demasiado extraña para los niños, pero a los niños les gustó. Sabes que he hecho cosas basadas en el material de Roald Dahl y este es siempre extraño, pero a los niños les gusta. Los padres a menudo olvidan que a los niños les gusta las cosas extrañas. Por lo que intento hacerlo realmente para todo el mundo, supongo.

P: ¿Qué tipo de tecnología ha desarrollado para Alicia?

R: Bien, parece más que sólo la combinación de las cosas. Hemos usado técnicas que habíamos usado antes. Sólo las hemos mezclado de manera un poco diferente, así que esa es la diferencia para mí: la combinación de acción en vivo y animación. No estamos haciendo realmente captura en movimiento.

P: ¿Como fue hasta ahora esta experiencia para usted?

R: Es la primera ves que he hecho pantalla verde. Es difícil cuando no tienes muchos decorados. Intentas mantenerlo lo más vivo posible con la intención de que los actores puedan interactuar con otros lo máximo posible. La velocidad y la energía son importantes. Realmente empiezas a perder los papeles, no sólo por los actores sino también por mí mismo y por el equipo. Empiezas a pensar, "¿quiénes somos de nuevo, dónde estamos?" Hay muchos movimientos y fracturas.

P: ¿Qué hizo que Johnny Depp cogiera el papel del Sombrerero Loco?

R: Le gusta disfrazarse. Creo que con los personajes de "Alicia en el País de las Maravillas", que a menudo son descritos como simplemente locos sin mucho sentido, y creo que él intentó lograr algo, una calidad humana que subyace a la locura. Intentó entender un poco más... intentamos dar a cada personaje su locura particular. Y él es bueno explorándola, supongo que porque está loco. No lo sé.

P:¿Cómo es su relación con Depp?

R: Nos llevamos bien y he trabajado con él muchas veces. Siempre es excitante ver que él aporta algo. Y es divertido trabajar con él porque es siempre algo diferente y nuevo y es divertido verlo. Siempre es emocionante para mí.

El cine japonés: Edogawa Rampo

2009-07-26T05:09:00.009-02:00

Tópicamente a lo desconocido se le tiene miedo y a lo incomprendido se le tacha de demente. La cultura japonesa presa de estos tópicos, cada día pasa a ser más conocida y trascendente, pero igual de incomprendida, siendo lógica la perdida del miedo infundado, pero constituyendo aun, por incomprensión, el tópico de la locura. En parte, esa incomprensión es a causa del desconocimiento, y uno de los aspectos culturales que lo alimentan, que aun permanecen excesivamente ocultos hacia occidente, ha sido la literatura, uno de los pilares para comprender una sociedad.

Edogawa Rampo, es uno de esos autores, ya contemporáneos, que han conseguido difundirse mas allá de su país, debido a la perdida de perjuicios exteriores y, también, propios, gracias a la ocupación en cierta medida, y a la influencia de otros autores occidentales después de siglos de ofuscación e inquisición frente a cualquier aspecto cultural ajeno. Su propio seudónimo da fe a ello, es la aplicación fonética de Edgar Alan Poe en japonés, con el que deja patente su máximo mito literario y un camino atormentado, al dedicarse exclusivamente a los relatos de terror y misterio. No por ello estos dejan de estar fuertemente marcados por su propia cultura, la que siempre tiende a lo grotesco, desde su mitología procedente de la religión sintoísta, a los siniestros cuentos populares, hasta la pictórica apocalíptica y erótica de Hokusai. De ahí que él mismo instaurara un genero propio denominado erótico grotesco (ero-guro), recreándose en relatos de realismo fantástico turbadores, sustentados por lóbregos personajes repudiados por la sociedad, en grotescas historias de horror y misterio, con malsanas tendencias fetichistas y particulares fabulaciones decadentistas sometidas a toda dualidad obscena. Debido a ese desconocimiento de la literatura japonesa que padecemos, es muy difícil achacarle las influencias de sus análogos, siendo lo mas sencillo dar por sentado que sus máximas influencias han sido en su mayoría autores occidentales, como el por descontado ya nombrado Poe, Sade por razones evidentes o Arthur Conan Doyle, sea por su relatos de terror como por su novela negra -de la que Rampo incluso erijo con naturaleza perversa un detective propio para su universo, el incisivo Kogoro Akechi-. También es complicado ver referencias culturales en su narrativa, ya que no están excesivamente presentes más allá de las simplezas costumbristas. Cosa que posiblemente sea por culpa de la traducción, la que muchas veces él mismo revisaría para su edición en otros países, intentado hacer sus obras más occidentales y por ende compresivas para el resto del público. De todas formas la edición de estas han sido las menos, siendo prácticamente imposible disfrutar de sus obras como se merecería, estando muchos sus relatos más emblemáticos aun inéditos en varias lenguas. En castellano solo se encuentra su primera selección de relatos para el extranjero, editada bajo el titulo de Relatos Japoneses de Misterio e Imaginación.

Hirai Taro, que es el nombre real de Rampo, antes de conseguir ser ciertamente reconocido en el resto del mundo por su imaginación literaria, tuvo que cultivar la fama en su país natal cual escritor pulp, editando sus cuentos en diversas publicaciones de género, inicialmente policíacas, cosa que acabo llevándole, tras varias trabajos para subsistir, inmersiones en el mundo del periodismo y labores como editor de diversas publicaciones, ha dedicarse enteramente al oficio de escritor. Tras consagrarse con la novela corta Black Lizard y varios relatos con mayor trascendencia, la notoriedad de sus incómodas historias le acabó costando padecer la condena de la censura. Concretamente con su obra La Oruga, la que trata sobre un militar tullido de guerra, sordomudo, que había perdido las piernas y los brazos siendo reducido a un mísero tronco, para acabar rendido a ser objeto de juegos macabros por parte de una insidiosa esposa, presa enajenada de la tragedia. Esta fue tachada de antibelicista en épocas convulsas como las de la segunda guerra mundial, algo que evidentemente no hizo mas que acrecentar su mito de cara al extranjero, aunque también por contra acabó obligándole ha dejar paulatinamente la publicación de nuevos relatos en su país tras la finalización del conflicto, el que conllevó indeleblemente la derrota del país nipón, con el desencadenante de una gran perdida de su identidad propia.

Tras su muerte, en los años sesenta, ya como una figura literaria totalmente instaurada en el retiro, es cuando se comienzan a notar sus influencias, que son muchos más proclives a su valoración por la eclosión que supusieron culturalmente. Quien mejor las captó en esencia fue el manga, autores como Suehiro Maruo o Hideshi Hino -el que también lo hizo desde su bizarro cine- entre otros, han sido herederos extremos del erótico grotesco grafico, logrando exportar a éste internacionalmente gracias a la popularidad del medio, y rompiendo desde la provocación todas las barreras de un producto de reclamo exótico pero relegado a un mainstream mercantilista. También merece una mención especial el fotografo Nobuyoshi Araki, un artista con pasión por el bondage, que tras un aspecto de viejo verde, guarda todo un talento para inmortalizar en imágenes lo que bien podrían ser la escenas mas concupiscentes de Rampo, y que bien le han valido una fuerte censura en su país.

Pero sin duda el cine, siempre renovado e inductor de culturas, ha sido quien ha sacado más partido de su obra y la ha dado más a conocer. Debiéndosele reconocer también que, con el tsunami de información que nos azota, ha terminado siendo el medio mas substancial desde el que poder conocer sus historias, o mas bien como han sido tratadas.

El que más se ha apoyado generacionalmente en él ha sido el cine clásico, por cuestiones evidentes. En director Yasuzo Masumura era uno de los adeptos a la inventiva de Rampo, cosa que demostró desde Manji, planteando un triangulo amoroso que diera lugar al crimen perfecto -obsesiva en la obra de Rampo-, hasta el doppelganger –otra de sus constantes- tatuado de Irezumi. Pero su mayor ofrenda fue sin duda cuando creó no sé si su mejor adaptación, ya que desconozco el relato original, pero si la mejor película sobre un relato suyo que conozco con Blind Beast. Una historia sobre un escultor ciego, como no perturbado, que secuestra jóvenes modelos a las que palpar para poder realizar grotescas obras que le procuren mediante la sinergia sus placeres ocultos, buscando así un alma gemela que culmine finalmente su mimetismo sádico.

Historia que también adaptó Teruo Ishii en sus últimas épocas, en una suma de este con otro relato sobre un enano que comente crímenes pasionales. Resultando una cinta de carácter algo decrepito, pero que no abandonaba su pasión por el autor, la que demostró a lo largo de toda su filmografía tocando siempre lo grotesco, lo erótico y lo bizarro en sus películas, desde las fantásticas, a las ambientadas en la inquisición, hasta las épicas. Y que entre todas ellas se encuentra otra adaptación directa, Horrors of Malformed Men, otra muestra de su excéntrica como director de estudio, sobre un personaje enajenado por su deformidad y por la incomprensión de quien le rodea y de su arte. Otro director clásico de renombre como Kinji Fukasaku, se atrevió con la adaptación de su obra mas relevante, Black Lizard, una nueva aventura del detective Akechi, en la que puso en el asador toda la turbación de la historia criminal en la psicotrónica, e incluso ofreció un papel al mismísimo Mishima en ella.

También quepa mencionar Watcher in the Attic, un roman porno, el genero erótico que producía el estudio Nikkatsu como respuesta al auge de producciones del tipo por parte de otros estudios como el pinku eiga o el pinky violence, y que posiblemente sea la mas significativa en su genero. Una obra sobre temas recurrentes en la lírica perversa de Rampo, que desde la guiñolesca erótica, trata el voyeurismo, la suplantación o el hedonismo de la clase alta. No deben olvidarse otros directores independientes, y esto para según que décadas, dado el contexto, es mucho decir, como Toshio Matsumoto, que con el sorpresivo desenlace de Funeral Parade of Rose o el tétrico cuento tradicionalista de Shura, revelaba similares directrices. O Wakamatsu, que con sus producciones de guerrilla, plagadas de pinku eigas planfetarios y reivindicativos transitaba con muchas constantes de la erótica y la funesta del autor.

Presentemente su obra está a punto de ser tratada por occidente, pero la mas reciente adaptacion sobre cuatro relatos suyos fue la imejorablemente llamada Rampo Jigoku (el infierno de Rampo), que adoptó el titulo internacional de Rampo Noir, una errática traducción, a la que al menos debe reconocérsele el abocar cierto juego de palabras con el cine polar francés por la tendencia del autor por este tipo de historias. En ella un numero homónimo de directores se encargan de dar vida a sus relatos, que desfallecen en cierto pretencionismo, con la perdida de nitidez de unas historias que desean una ejecución mas simple y efectiva, cayendo en una búsqueda de la onírica y una preocupante perdida de su premisa narrativa. Abre un inicial relato sui géneris, incomunicado, de pocos minutos, que bien ejemplifica lo comentado anteriormente. Al que le sigue quizás la porción mas justa, sobre un asesino fetichista de los espejos perseguido por el Detective Akechi -la que sea dicho, si se trata de el relato El Espejo incluido en uno de sus libros, nada tiene que ver, por la presencia del investigador y por la sucesión en si, siendo, sobre decir, la presuntamente original mucho mas sublime, sobretodo en su reflexión final-. Una adaptación de La Oruga, que aturde simplemente por su contundencia, pero que realmente está mas decidida por su estética postindustrial que por la historia postrada en si, es la penúltima. Finalizando, con un imposible e ilusorio amor postmortem de redundancia cíclica y que sirve para lucimiento personal de Asano.

Otros Cineastas contemporáneos como Tsukamoto, Takashi Miike o Shunji Iwai, así como gran parte del j-horror impuesto en esta última década, lo han usado también como influencia directa o indirecta. Tsukamoto, que curiosamente últimamente muestra un insistente interés por el cine detectivesco con sus Nightmare Detective, una serie de películas de intriga paranormal que recuerdan a las peripecias del detective más famoso de Rampo, incluso adaptó su relato de Los Gemelos en Gemini. Un intento de alejarse del cyberpunk, en el que explotó noblemente su experiencia con la performance teatral desde la estética tradicionalista policromo, trazando bien la historia, a su manera, sobre el gemelo malvado que se apodera de la vida de su hermano asesinándolo, hasta acabar perturbado por el asedio de su propia imagen, en la que ve reflejada a su gemelo.

Miike en su caso -que es todo uno- podría considerarse como un interlocutor postmoderno desde lo cinematográfico del lenguaje de Rampo, guardando las mismas ambiciones y filias por lo grotesco, con las que construye sus propias obras inherentes. Aunque si en su inabarcable creatividad una es directa de su influencia esa es la lóbrega Audition, con una nueva icónica de la mujer mantis trastornada, que tan bien protagonizaban sus historias. Shunji Iwai, a pesar de ser un director contemplativo y sin mucha revelación más allá de utilizar la crónica corriente, con obras como Picnic, destacó también cierta dualidad ramponiana, desde unos personajes enfrentados en su propia locura y deformidad existencial como pasajeros ángeles y eternos demonios de la sociedad vehemente.

Tampoco se debe olvidar la ingente producción de videos trasher, repleta de películas grotescas llenas de admirable sexo y violencia sin limites, que van desde violaciones y ejecuciones de las practicas SM menos asépticas, hasta turbulentos harakiris en plano secuencia con todo lujo de detalles, que lo preconizan desde nuevas visiones subversivas. Directores como Takao Nakano, que con su Killer Pussy, a pesar de guardar mas similitudes con el universo de Lovecraft que con el de Rampo, por lo del parasito sexual acuático, es bastamente lascivo e inherentemente especulador de lo grotesco, o Hisayasu Sato y su obsesiva por la infamia carnal rodada en video, son adalides a seguir de este underground, y ejemplos de ser los afectados pupilos de lo infame de Rampo, o de su erosión. Todo acaba conformando un abanico surgido de este autor, que da lugar parcialmente a corrientes de lo raro e incomprensible, por desconocido.

Vía Blonde Zombie

It's always six o'clock

2009-06-22T01:33:00.000-02:00

by Eva and Franco Mattes aka 0100101110101101.ORG

El Ciberpunk en el cine

2009-04-23T10:57:00.002-02:00

El género ciberpunk nunca ha funcionado demasiado bien en el cine. Quizá por ser una corriente que nunca alcanzó al gran público o simplemente por falta de comercialidad en los planteamientos, hay pocas películas que lo tomen como base, y menos las que realmente logren captar su esencia. Dice J. Jeans en su blog Frankenroll: En este artículo intentaré hacer un breve recorrido, si no por todas, sí por las más representativas.

A la hora de hacer una selección de películas de esta temática, conviene saber primero a qué nos estamos refiriendo. Al margen de que sea un movimiento o una corriente, el ciberpunk es tanto literaria como fílmicamente un subgénero de la ciencia-ficción.

Se sitúa en un futuro no demasiado cercano, habitualmente oscuro y sombrío, en el que personajes ambiguos y con dilemas existenciales y morales intentan salir adelante frente a la deshumanización de su entorno. El mundo en el que se mueven estos personajes se encuentra tan tecnificado que provoca la alineación y el aislamiento de los individuos, reforzados además por el control parapolicial que ejercen las corporaciones o los propios gobiernos .

Se plantean dilemas como el conflicto y a la vez la dependencia del hombre y la máquina, qué es real y qué simulado, qué es lo que nos define como “seres humanos”... . En definitiva, el ciberpunk habla del avance de la tecnología y cómo afecta ésta a las preguntas que el hombre se hace desde el inicio de los tiempos: ¿Quién soy?¿Cuál es la razón de mi existencia?

Quizá la mejor película ciberpunk sea una que estrictamente no lo es. Blade Runner se estrena en 1982 y dos años más tarde William Gibson publica Neuromante, la novela que se considera un hito del género y que es heredera indiscutible de la obra de Ridley Scott.

El mismo escritor ha reconocido que los paisajes y ambientes que describe están inspirados en sus imágenes. Deckard es un expolicía especializado en cazar replicantes, androides creados genéticamente, que recibe el encargo de encontrar y eliminar a un grupo que ha escapado de una colonia exterior. Su líder, Roy Batty, intenta encontrar a su creador, el dueño de la corporación Tyrell, para que prolongue su corta existencia. A lo largo de su investigación, Deckard conoce a Rachel, una replicante más humana de lo habitual, y se ve atrapado en un círculo en el que todos intenta averiguar quiénes son o qué son realmente. Blade Runner posee todos los elementos que se pueden esperar de una obra del género: un protagonista solitario y atormentado, que intenta encontrar respuestas sobre sí mismo mientras sobrevive en una sociedad extraña e hipertecnificada. En esencia se trata de la eterna pregunta del “¿quién soy?”, que cobra más importancia en un mundo en el que se hace difícil distinguir entre el ser humano y la máquina.

Saltándonos un poco la temática del artículo, ya que se supone que hablamos de películas, no podemos dejar de mencionar Max Headroom, una serie de televisión británica estrenada en 1985. Centrada en las diferentes investigaciones que lleva a cabo un reportero de televisión y su alter-ego Max, que no es ni más ni menos que una simulación por ordenador de sí mismo, que trabaja como presentador durante 24 horas al día. Con Max la expresión “torso parlante” se vuelve tremendamente acertada. La serie nos muestra un futuro gris en el que las corporaciones, especialmente las de los medios de comunicación de masas, lo controlan todo. Original y tremendamente ácida, no debe faltar en la videoteca de cualquier seguidor del ciberpunk.

Johhny Mnemonic (1995) tiene el honor de ser la única película basada directamente en una historia de William Gibson (si exceptuamos New Rose Hotel (1998)), y para la que él mismo escribió el guión. Desgraciadamente el resultado fue algo mediocre, aunque sigue siendo entretenida de ver si no se va buscando demasiada profundidad en el desarrollo. Johnny es un

correo de información, con un disco duro implantado en una operación que borró gran parte de su memoria. Intentando reunir el dinero suficiente como para recuperar esa parte de sí mismo que perdió, acepta transportar un volumen de datos para el que no está capacitado. Lo que no sabe es que en su dolorida cabeza lleva el remedio para una plaga que asola el mundo, y que hay mucha gente interesada en que no llegue a su destino. La narración sufre de importantes altibajos y la metáfora de la búsqueda de la memoria perdida es sin duda lo que yo rescataría del conjunto. Es una pena que este intento por llevar el ciberpunk a la pantalla grande se quedase solo en eso, en un intento.

Si Akira fue durante mucho tiempo el Blade Runner del manga, referente indiscutible para la ciencia-ficción animada, no cabe duda de que Ghost in the Shell (1995) puede reclamar por derecho propio el título para el ciberpunk. Su director, Mamoru Oshii, se basó en el cómic del mismo nombre de Masamune Shirow. La mayor Motoko Kusanagi es un ciborg al que se le ha encomendado una única misión: encontrar al pirata informático conocido como “el Maestro de Marionetas”. Pronto se dará cuenta de que su trabajo no va a ser nada sencillo, ya que hay muchos intereses creados, incluso dentro del propio gobierno, y gente que intentará por todos los medios en que no consiga aclarar su secreto. La profundidad de su historia y el desarrollo de los personajes principales la convierten en una película muy especial que invita a reflexionar. La obsesión de la protagonista por encontrar su propia alma (a pesar de ser un ciborg) vuelve a presentarnos el conflicto central del ciberpunk: la necesidad de recon

ocerse a uno mismo como ser humano, aunque sea inmerso es una sociedad mecánica e impersonal.

No cabe duda de que 1995 fue un buen año para el cine de temática ciberpunk. Aparte de los

títulos ya comentados, en esas mismas fechas se estrena Días Extraños de Kathryn Bigelow, para muchos la mejor película reciente del género. Inspirada en otro clásico de la ciencia-ficción, Proyecto Brainstorm (1983) y con guión de James Cameron, en Días Extraños nos encontramos con una trama interesante en la que la tecnología juega un papel importante, una ambientación muy bien conseguida (el fin del milenio en unos Estados Unidos con un régimen policial) y sobre todo unos protagonistas bien definidos.

El expolicía y traficante de datos Lenny Nero será recordado siempre como uno de los personajes legendarios del ciberpunk en el cine. Nero se gana vida modestamente vendiendo discos de “experiencias virtuales” en el mercado negro, sin importarle demasiado nada ni nadie (excepto quizá su exnovia Faith) hasta que un día una prostituta amiga suya es asesinada y llega a sus manos la grabación de su muerte. La investigación para aclarar lo sucedido le llevará más lejos de lo que había imaginado.

Aquí terminaríamos el repaso por el género ciberpunk, si es que hay algo que se pueda llamar así. Otros títulos que siempre aparecen en las listas son la serie de televisión Wild Palms y las películas Tetsuo: Iron Man y Tetsuo II: The Body Hammer, pero a pesar de considerarse

“de culto” nunca llegaron del todo al gran público, ni siquiera al aficionado. Wild Palms es una miniserie producida por Oliver Stone que narra el conflicto de dos sectas, los Amigos y los Padres, a raíz de la aparición de una nueva forma de realidad virtual. No tuvo demasiado éxito por su complejidad (demasiados personajes y líneas argumentales para un total de 6 horas) aun así resulta recomendable por salirse de los cánones habituales del género. Respecto a las dos partes de Tetsuo, a primera vista parecen extrañas y de interpretación confusa, como muchas de las películas que pasan de Japón al mercado occidental. El país del sol naciente parece ser el único que se sigue tomando en serio el movimiento, algo normal si tenemos en cuenta que pueden sentirse culturalmente más próximos a él. Para Hollywood todo parece reducirse a realizar adaptaciones de Philip K. Dick, que sin duda está relacionado, pero no es lo mismo.

Después de una lista tan escasa, alguien se puede preguntar ¿y eso es todo?¿No se ha rodado nada más con temática ciberpunk? Pues la respuesta es sí... y no. Es importante no confundir todas aquellas películas que muestren futuros oscuros, implantes y cierto grado de violencia como ciberpunk. Las trilogías de Alien y Terminator, o Desafío Total pueden tener rasgos parecidos, pero en mi opinión son ciencia-ficción y nada más. Existe un gran número de películas que sin ser estrictamente del género (normalmente se engloban dentro de la ciencia-ficción) tienen referencias o comparten detalles de ambientación, situaciones o personajes.

Entre las películas que retratan futuros oscuros con antihéroes como protagonista, tenemos Mad Max, Salvajes de Autopista (1979) y 1997: Rescate en Nueva York (1981). Más centrados en las bandas y lo post-apocalíptico que en los rascacielos y el neón, retratan el “otro futuro” de polución, ultraviolencia y destrucción de la sociedad, en el que impera la ley del más fuerte. Por decirlo de alguna manera, sería el lado “punk” de todo el asunto.

Centrándonos en otra de las líneas argumentales del ciberpunk, el debilitamiento de los gobiernos, el auge del poder de las corporaciones y sus efectos para la sociedad, el exponente más claro trasladado a la gran pantalla sería Robocop (1987). Su única pega es centrarse más en la venganza que en un verdadero desarrollo de personajes y motivaciones, con lo que se convierte en una película “de superhéroes”. Atmósfera 0 (1981) es otro buen ejemplo, aunque siempre se ha considerado principalmente una versión futurista de un western.

En el terreno de la animación, Akira (1988) es, como ya dijimos, el equivalente de Blade

Runner. El cómic en que se basa es varios años anterior a su adaptación al cine, por lo que se puede considerar al igual que la película de Scott como “germen” del género. Alita: Ángel de Combate (1993), la historia de una cazarrecompensas robótica, (de nuevo mejor el cómic que la película), muestra la tecnología llevada al grado extremo, deshumanización pura y dura en un futuro más lejano todavía.

Poco valorada en el momento de su estreno, Nirvana (1997) es sobre todo una película honesta, que desarrolla un argumento efectivo y sin pretensiones. Un programador de videojuegos intenta encontrar la manera de borrar su última creación, infectada por un virus, mientras intenta aclarar el extraño destino de su novia. Es tan simple y directa que por eso mismo resulta interesante, aunque a primera vista puede parecer incluso una parodia del ciberpunk.

Aunque muchos la consideran el mejor exponente del género, The Matrix (1999) tiene más que ver con la religión y la mitología que con el ciberpunk. Se trata de manga y ciencia-ficción, aunque esté adornada con detalles como los enchufes corticales, las simulaciones por ordenador y unos personajes de estética muy marcada. La mayor diferencia es la inexistencia del debate sobre la sociedad, la persona y el ser humano. En The Matrix se reproduce la lucha clásica entre la luz y la oscuridad, con pocos matices.

En eXistenZ (1999) nos encontramos a otro diseñador de videojuegos (o diseñadora en este caso) con problemas con su creación. Recordada sobre todo por la tecnología “orgánica”, detalle tan característico de su director, David Cronenberg, esta película es otra reflexión sobre cómo en un futuro quizá no podamos (o queramos) diferenciar lo que es la realidad de lo que no lo es.

Con poca publicidad (en España creo que pasó directamente al mercado del videoclub, o ni eso) Equilibrium (2002) es otra fábula sobre lo que significa ser humano. En un futuro con un régimen dictatorial, los sentimientos son considerados el origen de todos los males y por tanto prohibidos, al igual que cualquiera cosa que los provoque (literatura, pintura, música). El protagonista, perteneciente al cuerpo especial de policía que se encarga de velar por el mantenimiento de esta norma, comienza a dudar de sus convicciones tras perder a su esposa y a su compañero. Directamente inspirada en Fahrenheit 451, 1984 y Un Mundo Feliz su mayor atractivo vista superficialmente pueden ser sus escenas de acción (impresionantes), pero es la reflexión sobre lo que nos hace personas lo que la hace más recomendable.

Finalmente Minority Report (2002), otra adaptación de un relato de Philip K. Dick (en los últimos dos años se han hecho tres) que nos muestra de nuevo todos los elementos de los que hablamos al principio: el protagonista ambiguo y conflictivo, la sociedad opresiva y policial, la tecnología como elemento que transforma nuestra forma de ver la vida, aquí reflejado en la pérdida de privacidad y de la presunción de inocencia. En este caso lo que lo separa del ciberpunk es que los dilemas morales se dejan a un lado para pasar a narrar una historia policíaca convencional, haciendo que todo lo expuesto sea un mero “escenario”, muy espectacular, eso sí, pero sin profundidad o trascendencia. En resumen, que se convierte en ciencia-ficción convencional.

Las imágenes que acompañan este artículo son estudios de Syd Mead para Blade Runner y Johnny Mnemonic.

Del Blog Frankenroll ; Publicado por JKeats Escrito originalmente para NoSoloRol, número 11, abril de 2004.

Anime, la sombra del Hiroshima

2009-04-13T15:04:00.005-02:00

Memories, tres cuentos de Kashuhiro Otomo

Corre por mi cuenta desarrollar esa idea que comparto, anotada en horas de navegación. Leí por ahí: "el lanzamiento de las bombas de uranio y plutonio sobre Japón en el verano de 1945, desencadenaba al correr de los años toda una corriente cultural transida por la ominosa sombra del hongo atómico. No hay ningún precedente ni consecuente similar: jamás otra expresión de cultura popular masiva y prolongada estuvo tan pegada a un trauma como lo está cierto cine nipón a ese infausto alarde bélico norteamericano, que, sin embargo, nunca aparece mencionado de forma expresa."

NOTA EN ELABORACIÓN, continuará...

Ghost in the Shell

2009-02-25T21:14:00.004-02:00

Ghost in the Shell supuso el segundo gran hito en la historia de la animación japonesa y su asimilación definitiva por el imaginario occidental. Akira (Akira, Katsuhiro Otomo, 1987) había abierto la puerta al anime en Occidente, irrumpiendo como una auténtica revelación estética y formal. La fantasía apocalíptica de Otomo rompió las barreras entre la animación y el cine convencional usando todos sus recursos y técnicas, como el travelling o los saltos de eje, hasta entonces poco explotados en el cine animado.

Con Ghost in the Shell, Mamoru Oshii y el equipo de Production I.G no se limitan a desarrollar y ampliar las innovaciones técnicas de Otomo. Emprendiendo una revolución narrativa, el film profundiza como ningún anime lo había hecho hasta entonces en la construcción de los personajes y en su relación con el mundo.

Adaptando el manga homónimo de Shirow Masamune, Oshii renuncia a la dispersión narrativa del texto original, caracterizado por la acumulación a veces antidramática e innecesaria de datos, y se centra en el desarrollo de los personajes. Serán estos quienes, abandonando poco a poco su laconismo inicial, nos contarán una historia compleja, en ocasiones incluso confusa. Gracias a unos diálogos densos, francamente brillantes, cargados de referencias literarias y filosóficas, el espectador alcanza momentos de tal fascinación que olvida que se encuentra ante una película de dibujos animados y no de acción real. Pero precisamente eso, qué es real y qué no, dónde está la frontera que separa la realidad del artificio, es uno de los grandes temas del film.

La acción nos traslada a un futuro cercano en el que la informática, la cibernética y la robótica han experimentado un desarrollo extraordinario: cuerpos cibernéticos, prótesis biónicas que aumentan las capacidades físicas del individuo e implantes cerebrales que le permiten conectarse en tiempo real a las redes de datos. La fusión entre la conciencia y los programas informáticos insertados produce el llamado espíritu, el “fantasma” del título.

Esta revolución tecnológica es planteada en el film como salto evolutivo que ha obligado al ser humano a redefinirse como especie y como individuo. El acceso a redes cada vez más complejas le ofrece un volumen prácticamente ilimitado de información con la que conformar su propia consciencia y construir su personalidad individual; pero también en esas redes existen nuevos peligros que descubrirán la fragilidad y vulnerabilidad del individuo ante los intereses del estado y de las grandes corporaciones, puesto que cualquier sistema, humano o no, conectado a la red es susceptible de ser pirateado.

Los personajes principales, la comandante Motoko Kusanagi y el agente Batô, son miembros de la Sección Nueve del Ministerio de Asuntos Exteriores, un grupo de élite especializado en la lucha antiterrorista y el contraespionaje cibernético, en realidad el brazo armado de la maquinaria del Estado. Ambos son cyborgs, seres humanos dotados de cuerpos cibernéticos, cuya humanidad se define apenas por sus relaciones sociales con el resto del equipo.

En el que a mi juicio es uno de los grandes aciertos de la adaptación, la edad de los personajes ha sido sensiblemente elevada, enfrentándose al conflicto central de la historia de una forma mucho más compleja y más madura. La visión posadolescente de los personajes del manga se sustituye por un punto de vista adulto. Aquí Aramaki, el jefe de la sección, ya no encarna una figura paterna y la figura de Batô crece como contrapunto cínico al desencanto de Motoko Kusanagi, una mujer, mitad humana mitad máquina, que sufre una profunda crisis de identidad y un ansia de trascendencia personal.

El Titiritero, un hacker especializado en el pirateo de espíritus al que los miembros de la Sección Nueve deben neutralizar, será el catalizador de las líneas maestras del argumento. Implantando experiencias simuladas en sus víctimas, el Titiritero las convertirá en marionetas de la lógica del poder. En un mundo en el que la consciencia se construye mediante la adquisición sistemática de información, donde las diferencias entre el hombre y la máquina se han borrado, este personaje jugará el papel de duende maligno cartesiano, poniendo en duda la validez de las clasificaciones de lo real y lo ficticio, pero también de lo humano y lo mecánico, de lo vivo y lo inerte.

La influencia de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (Do Androids Dream with Electric Sheeps?, Philip K. Dick, 1968) y de su adaptación cinematográfica Blade Runner (Blade Runner, Ridley Scott, 1982) se aprecia a lo largo de todo el film. Aunque ya estaba presente en el manga, Mamoru Oshii no tiene reparos en llevarla mucho más allá. La larga secuencia central de la película en la que acompañamos a la heroína por los canales de esa ciudad ominosa, bajo una persistente lluvia que la hace todavía más opresiva, mecidos por la climática partitura de Kenji Kawai, remite directamente al clásico de Scott.

Los argumentos presentan también muchas similitudes. En ambos casos, un agente de la autoridad, que se cuestiona la validez del sistema al que representa, persigue a un ser sintético en busca de su humanidad, un atributo que su antagonista humano siente que ha perdido. Sin embargo, mientras que el Nexus 6 creado por Dick sólo comprenderá el valor de la vida humana en la misma frontera de la muerte a la que intenta burlar, el Titiritero sabe que sólo aceptando la inevitabilidad de la muerte podrá alcanzar la gracia de la vida.

Anécdotas

* Ganadora del “1997 World Animation Celebration Awards” (mejor película y mejor director). En el Festival de Fantasporto (1997) fue premiada con una mención especial del jurado. También tuvo una mención especial ese año en el festival de Gérardmer. Y en el Yokohama Film Festival de 1996 fue galardonado su guión. * Secuelas: Kôkaku kidôtai: Stand Alone Complex (2002-2005), de Kenji Kamiyama [serie de televisión, dos temporadas de 26 capítulos cada una]; Inosensu: Kôkaku kidôtai (2004), de Mamoru Oshii; Kôkaku kidôtai: Stand Alone Complex Solid State Society (2006), de Kenji Kamiyama.

Bibliografía

MASAMUNE, Shirow: The Ghost in the Shell; traducción, Victoria Simó. Barcelona: Planeta-DeAgostini, 1998. Traducción de: Kokaku kidotai-Ghost in the Shell.

Francisco Javier Almenar Rivero (Santa Cruz de Tenerife. España)

Sicologia de Rei Ayanami

2009-02-18T11:59:00.000-02:00

Una persona nacida con un objetivo, solo eso mantiene a Rei, pilotar el Eva y Salvar a la humanidad, una muñeca de Gendou Ikari, el hombre que la necesita y que por lo mismo le salvo la vida, alguien la necesita, entonces puede estar "aquí".

Rei fue criada para aparentar que era un mas, debía ir a colegio, su identidad es falsa ella, fue seleccionada por Marduk organización manipulada por Nerv y Gendou, nunca se le enseño como debía actuar en ciertas situaciones, una niña muy rara sin cultura, de hecho no reacciona cuando Shinji la vio y toco desnuda, a ella nunca le enseñaron que eso debía avergonzarla, siempre fue tratada en laboratorio de esa manera.

En la puesta en marcha del Eva-00 este entra en Berserk, la cabina es expulsada y Gendou se preocupa por los fuertes choques que recibe, cuando llega él llega a la cabina rápidamente la abre quemándose la mano y votando sus anteojos, Rei los conserva rotos para recordar el momento en que Gendou demostró que se preocupaba por el, ella lo quería y comprendía, cuando Shinji habla mal de él ella lo cachetea por que Shinji no entendía que Gendou perseguía un fin mas alto que el bienestar de un niño refunfuñoso.
Pero ella se pregunta quien es. Una muñeca como el Eva Y cual de todas las Reis es ella?, su otro yo sugiere que no es humana

Rei: No. eres un ser humano cuyo falso espíritu fue hecho por un hombre llamado Ikari Gendou. Eres un objeto falso que está pretendiendo ser un humano. Mira, tienes una mente oscura, invisible, e ininteligible en tu interior, donde existe tu verdadero ser. (cap.25)

El otro yo dice que Rei teme a desaparecer como Rei, y ver que es otro serRei dice que quiere volver a la nada

Pero que no puede porque Gendou la necesita, pero que en el final deberá morir para él. Luego se devela su mascara, ella tienen miedo a desaparecer
Quiere ser Rei, quiere vivir. Rei amo a Shinji, él fue mas que Gendou, él se preocupo de ella, y ella lo defendió ante la critica inconsciente de Asuka.En EoE ella se revela ante Gendou, se apodera del Adam y se une a Lilith por que prefería la unión con Shinji que con Gendou, tampoco quería desaparecer, no era un peón, decidió a Shinji por que sintió su desesperación

Rei y Armisael
El Eva-00 y Rei son invadidas, el ángel induce a la tristura para lograr la fusión con el alma de Rei, ella llora se siente sola, cuando ve a Shinji(Eva-01) siente el deseo de unirse a él y el ángel reacciona ante ese deseo dirigiéndosele para unirlo también, pero Rei prefiere la autodestrucción

Rojo, Carne y Muchos, no me gusta

Cap16 en el intercambio de Evas 00 y 01	analisis
Rei: La Montaña. Pesadas son las montañas, Algo que cambia a través de los años	el ego cambia, para adaptarse e identificase en el medio, el yo cambia
El Cielo. Cielo azul. Algo visible, algo invisible.	como el alma, que se manifiesta com el At y crea al cuerpo, pero no se ve
El Sol. Algo único.	el alma de Rei es de la gran Lilith
El Agua. Algo agradable. Comandante Ikari.	lo que él le tiene preparado, el retorno a la nada/origen
Las Flores. Muchas de ellas semejantes, muchas de ellas inútiles	los clones de rei, que le asen cuestionarse quien y que es
El Cielo. Rojo, cielo rojo. Color rojo. Color rojo que detesto.	la sangre, la vida que se va
Corriente de Agua. Sangre. El olor de la sangre. Una mujer que no menstrúa	rei no menstrua, no pude tener hijos
Hechos de la tierra roja son los humanos. Hechos de un Hombre y una Mujer son los humanos.	rei no nacio de esa forma, fue creada
La Ciudad. Algo hecho por los humanos. Eva. Algo hecho por los humanos. ¿Los humanos son qué? Algo hecho por Dios. Los humanos son cosas hechas por los humanos.	Rei creada por humanos, como eva, como un objeto
Las cosas que poseo son mi vida y mi mente.	Rei solo es Rei, el alma es lo unico que existe, todo lo demas cambia
El recipiente de una mente. Entry plug, el trono de un alma.	el cuerpo
Rei: ¿Quién es ésta? Ésta soy yo. ¿Quién soy yo? ¿Qué soy yo? ¿Qué soy yo? ¿Qué soy yo? ¿Qué soy yo?	Finalmente, que es?, humana, una muñeca, un moustro...qué?
Rei: Yo y yo misma. Este objeto soy yo, la figura que me forma. Este es el yo que es visible, aunque siento como que ésta no soy yo.	Rei es lo que se ve, su ego, sus relaciones, a lo que llaman rei, pero eso no es sierto rei es lilith y lilith no es humana

Esta conclusión no es completamente cierta si bien lo que existe es el ego, el At y el cuerpo, eso no perdura, cambia, solo el alma permanece a pesar de que su aspecto cambie, por eso el alma no debe estrezarse, porque todas las cosas que afecten a la forma física no perduraran, si quieres saber mas lee el consepto del "espejo del alma" en Sicologia

bueno pero, la cuestión es que Rei ama el agua por que implica su muerte, la vuelta a la nada, al mar primitivo de lcl, volver a Lilith.
detesta lo rojo porque implica la muerte de la arcilla roja, la carne, de lo que están hecho lo humanos, quizás este sentimiento implica que Lilith no mataría a sus hijos.

*en la mitología bíblica Adam y Lilith fueron creados de arcilla roja, creo que es una metáfora de la carne

Akira, de Katsuhiro Otomo

2009-02-03T20:16:00.053-02:00

Ficha

Título: Akira

Autor: Katsuhiro Otomo

Editorial: Ediciones B

Galería de Akira
4 páginas de los tomos 1 y 2 japoneses
4 páginas de los tomos 3 y 4 japoneses
4 páginas de los tomos 5 y 6 japoneses

Formato: Obra completa en 6 tomos, 15,50 € cada uno. Tomos tamaño grande (18x26 cm), b/n con solapas, de entre 288 y 438 páginas. cada uno (por orden, tomos 1 a 6: 364, 304, 288, 400, 416 y 438 pgs respectivamente)

Comentarios: Los tomos han sido reeditados varias veces por Ediciones B (el primer tomo va por la cuarta edición).

Ciencia-ficción/acción. Hace 38 años, un nuevo tipo de bomba explotó en el área metropolitana de Japón y marcó el inicio de la III Guerra Mundial. En el año 2019, la ciudad de Neo-Tokyo ha sido construida a partir de los restos de la antigua Tokyo. En esa ciudad habitan Kaneda, Tetsuo y sus amigos, un grupo de jóvenes problemáticos, estudiantes de un centro correccional, marginados sociales de negro futuro que pasan sus ratos libres haciendo carreras en moto por la ciudad y enfrascandonse en peleas con bandas rivales de motoristas.

Pero un día, durante una de las correrias del grupo, Tetsuo tiene un accidente provocado por un misterioso niño que se cruza en su camino. La policía expulsa al resto de la banda y durante unos días nadie parece saber qué ha pasado con Tetsuo, por lo que pronto Kaneda empezará a intentar averiguar por su cuenta qué ha sido de su amigo y se involucra con Kai, una chica relacionada con un grupo revolucionario de oposición al gobierno. Cuando Tetsuo reaparezca, sus amigos pronto notarán como su carácter está cambiando y pronto empezará mostrar unos poderosos poderes psíquicos que van afectando a su personalidad. A partir de este momento se nos irá desvelando poco a poco el entramado de un proyecto militar secreto para crear jóvenes con poderes psíquicos, un proyecto cuyo mayor éxito fue Akira, un misterioso chico con una capacidad psíquica tan destructiva que ha sido retenido en "custodia" criogénica durante casi 30 años... hasta que ahora un Tetsuo cada vez más desquiciado y poderoso se propone "despertarlo".

Bandas de motoristas callejeros, un estado policial represivo, entramados políticos, sectas religiosas, un movimento clandestino revolucionario, jóvenes con poderes psíquicos y un misterioso proyecto secreto, todo ello combinado produce la mezcla explosiva que es Akira.

Sobre el cómic

Kaneda, en el ya clásico cartel español de la película de animación de Akira. Su frase promocional es ya mítica:

"Neo Tokyo está a punto de

E-X-P-L-O-T-A-R".

Akira es ya un cómic histórico por haber sido la obra que hizo que el cómic japonés se introdujera en occidente. Akira se empezó a publicar en japón en 1984 y pronto se convirtió en un best-seller en su país, pero fue a raiz de su publicación en Estados Unidos por un sello de Marvel Comics que se publicó también en Europa, cosechando en ambos territorios un éxito sin precedentes y significando el primer acercamiento importante del público occidental al cómic japonés y a sus peculiaridades narrativas.

Por si fuera poco, su adaptación animada cinematográfica (escrita y dirigida por el propio Otomo antes de finalizar el manga, y que es una versión obligatoriamente comprimida del cómic con un final diferente) también causó un impacto tremendo en occidente, y marcó el pistoletazo de entrada de la invasión de la animación japonesa en occidente durante los años 90, y fue el primer ejemplo de manga que viene acompañado de adaptación animada que sirve para popularizar o dar a conocer aún más a un público más numeroso la obra original en cómic.

En la actualidad, Akira está considerada como un título de culto (calificativo que también comparte su adaptación cinematográfica) y referencia indispensable para cualquier aficionado al cómic. Además, es una obra que se mantiene vigente y actual casi 20 años después de publicarse originalmente, como lo demuestra la excelente acogida que ha tenido en España y diversos paises occidentales la reciente reedición de la obra en 6 gigantescos tomos en el formato en blanco y negro original (hay que mencionar que inicialmente la edición occidental partió de la edición realizada en Estados Unidos, donde se coloreó debido a la reticencia del público de por aquellos entonces a leer en blanco y negro un cómic de expectativas "comerciales"). Una reedición que en Estados Unidos ha hecho que Akira gane el prestigioso Premio Eisner 2002 en la categoría de obra extranjera (que sería algo así como el equivalente del Oscar de Hollywood a la Mejor Película Extranjera), incluso a pesar de tratarse de un material ya publicado con anterioridad.

Crítica

"Cuando empezó a publicarse, Akira fue todo un fenómeno. Tuvo una gran aceptación entre un gran público que desconocía prácticamente por completo incluso que existiera cómic en Japón, y no digamos ya un cómic que, como Akira, alcanza cotas de calidad tan importantes. (...) En la actualidad, el mercado español se ha dividido en dos grupos de lectores: los que compran manga y los que no compran manga. Akira está en medio: lo compra casi todo el mundo. Me temo que la explicación del por qué va más allá del hecho de que Akira fuera el primero y despertara la curiosidad de más gente. La cuestión reside en que Akira no decepciona. Otomo es un autor de manga relativamente occidentalizado, lo que se observa desde el trazo realista hasta la composición de sus páginas. Aunque rebosan de los recursos propios del cómic japonés (las líneas cinéticas, la cámara subjetiva, los campos y contracampos...) no lo hacen hasta el punto de condicionar la narración, de modo que el lector occidental puede seguir la historia e interesarse por ella. Además, la simple calidad gráfica de esta obra basta para contentar al más reticente."

-- Slumberland #18 (Camaleón Ediciones, 1996)

"Akira tiene muchas subtramas, pero la historia gira en torno a dos muchachos, dos inadaptados sociales. Dos amigos que se conocieron de pequeños y que han crecido juntos en una ciudad y un ambiente que no les ha dado las facilidades que, a priori, debería ofrecerles. Kaneda es el lider natural, el jefe de la banda y al que todo el mundo hace caso. Es el que tiene la moto más chula y el que siempre va delante. Tetsuo es el chico tímido, protegido de Kaneda y que no tiene el carisma de su amigo. Ansía pasar delante de Kaneda y demostrarle que no tiene que ser siempre el líder. Este problema entre dos muchachos, que no es nada del otro mundo, se mezcla con el Proyecto Akira, con revoluciones políticas, amor, acción, poderes paranormales y una pizca de humor para crear un manga genial, increiblemente bien narrado y con un dibujo dinámico y detallado, muy detallado. (...) Pocos artistas son capaces de crear historias de acción como la de Akira, en la que se mantienen la tensión, la emoción y la espectacularidad a lo largo de tantas y tantas páginas."

-- Manuel Robles, Especial Otomo

"La lectura de Akira es compulsiva. Su sencillo mecanismo narrativo impone con suprema eficacia la necesidad del siguiente episodio. En este sentido, funciona como cualquier folletín al que estamos acostumbrados, sólo que acelerado. Por tanto, mantiene un misterio por descubrir que abarca toda la obra (centrado en el quien, cómo y por qué de Akira) que se revela en dosis que plantean nuevas preguntas... y, salvo las escasas coordenadas que distinguen a los "buenos" de los "malos", desconocemos palmariamente hacia dónde va a ir la ficción. Decir esto de un tebeo con tan prodigiosa cantidad de páginas es, en efecto, estar hablando de algo más de lo que uno se imagina como folletín."

-- Enrique Vela, en el libro 1993: Un año de tebeos

"Uno de los tebeos clave de la década pasada. Buque insignia del desembarco del manga en las costas occidentales y obra representativa como pocas de todo un modo de hacer tebeos, Akira merecía una nueva edición, y sobre todo una como ésta. Pese a que siempre he pensado que la obra de Otomo sufría de cierte hipertrofia y de un exceso de metafísica mal entendida, lo cierto es que su lectura de manera más compacta y seguida le hace ganar enteros, sobre todo en los primeros dos tomos, que son sencillamente vertiginosos y gozosos. Una oportunidad excelente, en suma, para hacer sin excesivo desembolso con uno de los títulos más relevantes de la historia reciente del tebeo."

-- Óscar Palmer, Volumen Uno #3 (junio 1999)

"Un tebeo hiperbólico, desmesurado, apabullante (...) Akira revalida una y otra vez, siempre con nota alta, lo endiablado de su montaje, la pirotecnia deslumbrante de sus infinitas escenas de acción."

-- Rafael Marín, en Bibliópolis

El autor

Katsuhiro Otomo (Miyagi, Japón, 1954) empezó a publicar historietas cortas a mediados de los 70 y no fue hasta varios años más tarde cuando realiza su primera obra más extensa (algo más de 200 páginas, todavía breve para los estándares japoneses): Domu (Pesadillas), publicada entre 1980 y 1982 y que obtuvo el premio SF Grand Prix a la mejor obra de ciencia ficción, que hasta entonces solamente se había otorgado a novelas. En 1984 iniciaría la que sería su Obra Maestra: Akira, un gigantesco relato de más de 2000 páginas que le consolidó internacionalmente. Desde el final de Akira, sus trabajos en cómic han sido escasos, y principalmente realizando guiones para otros dibujantes, como La leyenda de la madre Sarah y Qué horror de apartamento (World Apartamente Horror)

Desde principios de los 80, Otomo ha trabajado activamente en otros campos, realizando ilustraciones publicitarias (como el anuncio para la cámara Canon T70 en 1984), diseños de escenarios y personajes, animaciones breves, etc, lo que ha hecho que su producción de historietas sea tan escasa para lo que es habitual en Japón. Entre sus trabajos en otros medios en animación destaca la adaptación cinematográfica de Akira (1988, escrita y dirigida por Otomo antes de finalizar el manga). Además ha realizado algunos guiones (a destacar el de la película Roujin Z -1991-) y alguna incursión en la imagen real (entre las que mecionamos World Apartament Horror -1991- por ser una adaptación en película de su manga homónimo), pero sea como fuere, en las producciones en las que ha participado desde Akira se ha usado siempre su nombre como reclamo comercial (caso de Spriggan o Perfect Blue, donde su implicación era bastante tangencial). Su más reciente película como director es SteamBoy, que debería estrenarse en Japón a finales del 2003.

+Info

- Ficha de Katsuhiro Otomo en esta misma web

- Reseña de Rafael Marín en Bibliópolis

- Reseña en iComics.com (inglés)

- Reseña en ArtBomb.net (inglés)

- Reseña en EX (inglés)

- Las imágenes del manga usadas para ilustrar este monográfico has sido tomadas del fan-site BBAkira.co.uk

- Los libros de Neko 3: Katsuhiro Otomo (Camaleon Ediciones, 1998).

- Fanzine especial Otomo (Estudio Ryuu, 2001).

- Otomo Troopers (castellano)

- Ficha de Otomo en la Internet Movie DataBase

- Fansite sobre La leyenda de la madre Sarah

Textos y recopilación de Jose A. Serrano. Página creada en septiembre de 2002.

http://www.guiadelcomic.com/comics/akira.htm

2008-12-31T15:41:00.001-02:00

CICLO ANIME DE VERANO

Microcine de la Municipalidad de Mendoza

Selección de Luis Alvarez Quintana.

(Asesoría, Anita Coza! Alvarez)

Advertencia:

El criterio de reponer lo mejor del 2008, es a solicitud de la Dirección de Cultura de la Municipalidad de Mendoza (Q).

(para que aquellos que no pudieron verlas en épocas invernales, ahora las conozcan en pantalla grande.))))

OVAS POLENTAS

Para aquellos ávidos de novedades, comunicamos que en febrero, pasaremos, antes de las películas, OVAS sangrientas y polentas!!!

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Miercoles 7 de enero de 2009
21 horas

VAMPIRE HUNTER D

Ubicada en un futuro lejano las novelas narran las aventuras de D, un damphir( ser mitad humano y mitad vampiro), un hombre serio y callado que visteuna armadura negra, sombrero y una espada. En su mano izquierda vive unser con el cual habla, le indica lo que tiene que hacer en ciertos puntos y se come a sus enemigos (a su energía) llamado symbiot.

Género: Horror
Duración: 80 min
Año: 2000

Autora: Toyoo Ashida

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Miercoles 14 de enero de 2009

21 horas

APLLESEED

En la ciudad futurista de Olympus, se estan llevando a cabo actos terroristas. Un equipo especial es enviado para luchar . Consiguen detenerlos, pero uno consigue escapar matando a un compañero de Deunan y Briareos. Este OVA nos cuenta la historia de un plan para controlar Gaia, el ordenador central de Olympus.

Género: Acción, Aventura, Ciencia-ficción
Duración: 104 min.
Año: 2004
Dirección: Shinji Aramaki

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Miercoles 21 de enero de 2009

21 horas

FINAL FANTASY VII (Advent children)

Película de animación basada en el aclamado juego Final Fantasy VII. La historia se desarrolla en una época en que una misteriosa plaga, llamada Planet's Scar Syndrome (Síndrome de Cicatriz del Planeta), empieza a afectar a todo el planeta.

Genero: Acción, fantasia, sci-fi, aventura
Duración: 101 min.
Año: 2005
Director: Tetsuya Nomura.

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Miercoles 28 de enero de 2009
21 horas

EVANGELION: 1.01 YOU ARE (NOT) ALONE

Despues del segundo impacto, todo lo que permanece del Japón es Tokio 3, una ciudad que es atacada por criaturas gigantes denominadas angeles, que intentan eliminar a la humanidad. Luego de no ver a su padre por mas de ocho años, Shinji Ikari es convocado al cuarten de NERV, una organización que se ocupa de la destrucción de los ángeles, a través de robots gigantes conocidos como Eva.

Genero: Acción, Ciencia Ficción, Drama, Mecha
Duración: 100 min.
Año: 2007

Estudios Gainax

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Miercoles 4 de febrero de 2009

21 horas

Akira

2019: El mundo está al borde de la destrucción absoluta. La tecnología avanzada fue la causa de una terrible explosión que desencadenó una guerra nuclear y devastó las grandes ciudades del planeta. Treinta años después, sobre las ruinas de Tokio, se alza la megalópolis de Neo-Tokio, una ciudad opresiva e inhumana. Las sectas religiosas y los grupos extremistas, aprovechándose de la insatisfacción de los ciudadanos, cultivan el mito de AKIRA, un "niño cobaya" depositario de la "energía absoluta" cuya resurrección significaría para Japón el amanecer de una nueva era.

Género: Acción

Duración: 120 min.

Año: 1989

Dirección: Katsuhiro Otomo

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Miercoles 11 de febrero de 2009
21 horas

Macross: Do You Remember Love

Una raza alienígena, los Zentraedi,atraviesan la galaxia con destino a la Tierra. Con un ejército de naves que se cuenta por millones y una tecnología mucho más avanzada que la de los humanos, los Zentraedi no necesitarán demasiado tiempo para acabar con la raza humana y recuperar una de sus naves, que se estrelló en el planeta tiempo atrás. Los humanos no tienen mucho donde escoger para escaparse de su aniquilación, así que deciden salvar a los habitantes de la isla donde cayó 'Macross', la nave alienígena,usándola para abandonar el planeta, dirigiéndose más allá de loslímites del Sistema Solar. Siendo los Zentraedi los nuevos amos dellaneta, sólo el tiempo dirá si alguna vez podrán volver a la Tierra y vencerles.

Género: Ciencia-ficción y Mecha
Duración: 115 min.
Año: 1984

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Miercoles 18 de febrero de 2009
21 horas

Cowboy Bebop: (knockin' on heaven's door)

En la nave "Bebop", Spike y su banda de cazadores de recompensas están aburridos y sin dinero, hasta que conocen la noticia de una recompensa. En Marte, año 2071, poco antes del día de Halloween. Un camión cisterna lleno de productos químicos hace explosión, liberando un nuevo virus letal que acaba con la vida de cientos de personas. Las autoridades, temiendo un nuevo ataque aún más destructivo, fijan una recompensa millonaria para quien capture a los responsables.

Género: Ciencia Ficción, Comedia, Aventura, Acción

Duración: 110 min.

Año: 1998

Dirección: Shinichiro Watanabe

Miercoles 25 de febrero
21 horas

GHOST IN THE SHELL 2: INNOCENCE

Batou investiga tres asesinatos recientemente sucedidos en un callejón a manos de una muñeca sexual. Al encontrase con la asesina Batou verá que algo no concuerda pues la muñeca ginoide intenta suicidarse pidiendo ayuda. Daisuke Aramaki ordenará a Batou y Togusa investigar este caso. En otro asesinato ligado al caso Batou encontrará dentro de un libro la fotografía holográfica del rostro deuna niña. Esto llevará a Batou a investigar casi por cuenta propia el caso hasta llegar a la fábrica en donde se crean a las ginoides, allí le sorprenderá su ángel de la guarda.

Género: Ciencia Ficción, Suspenso
Duración: 99 min.
Año: 2004
Dirección: Mamoru Oshii

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KAGEMUSHA, LA SOMBRA DEL GUERRERO

2008-12-20T15:44:00.002-02:00

Encandilado por la película de Akira Kurosawa, busqué en la red un comentario que coincida con mi opinión (que vivo!) en el blog LAS VACAS SAGRADAS dice:

Estas son épicas, no mamarrachadas. Me refiero a Kagemusha, la Sombra del Guerrero (Kagemusha, Japon, 1980). En el Japón del siglo XVI, un ladrón es salvado del cadalso por su extraordinario parecido físico con el señor feudal de la región, Shingen Takeda (Tatsuya Nakadai, actor que luego protagonizaría para el mismo Kurosawa su siguiente filme, Ran/1985). Para salvar el pellejo, el ladrón de marras acepta trabajar como “kagemusha”, es decir, como doble del señor, sustituyéndolo cuando éste lo considere necesario. Sin embargo, Takeda es herido en combate y antes de morir pide a su corte que oculte su muerte durante 3 años para evitar que todo el clan sea destruido por sus múltiples enemigos. De esta manera, el falso Takeda tendrá que aparecer ante los ojos de todo mundo como el Señor Feudal.

Kagemusha, la Sombra del Guerrero, es una fascinante fábula sobre el poder y su capacidad de atra cción y destrucción. Toda la cinta es un ir y venir entre la narrativa estática nipona (típica de un Yasujiro Ozu) y una puesta en imágenes diríase hollywoodense, con cruentas batallas bañadas en sangre, perfectamente montadas y coreografiadas. En este mismo aspecto, hay que tener especial atención en el diseño visual de todo el filme, calcado/homenajeado/plagia

do por Francis Ford Coppola –por cierto, productor ejecutivo de esta película junto con George Lucas—en el prólogo de su disparejo filme Drácula de Bram Stoker (1992).

A pesar de que el filme fue escrito por el propio Kurosawa junto a su colaborador habitual Masao Ide, Kagemusha tiene un aire de tragedia clásica, casi shakespeariana: el ejercicio del poder –tema shakespeariano si lo hay-- transforma al ladrón y provoca que actúe impelido por la sombra del verdadero señor ya muerto. La devoción a esa sombra provocará finalmente la destrucción de él y de todo el clan, cumpliéndose así el sino fatal de aquéllos que son incapaces de comprender el poder.

Un filme ya clásico que, en su momento, se convirtió en un éxito inmediato tanto en la taquilla nipona –que siempre desconfió del “occidentalizado” Kurosawa—como ante la crítica y en todo el mundo: Kagemusha ganó la Palma de Oro en Cannes en 1981 y la cinta fue nominada tanto a los Globos de Oro como al Oscar en la categoría de Mejor Filme Extranjero (en los Globos le ganó el espléndido filme de época Tess/Polanski/1979, mientras el Oscar se lo llevó el melodrama ruso M oscú No Cree en Lágrimas/Menshov/1979). Eso sí: de cualquier manera Kurosawa obtuvo el premio al Mejor Director en los BAFTA británicos y Kagemusha fue nombrada como la Mejor Cinta Extranjera en los premios César franceses de 1981.

En todo caso, más allá de premios ganados o no, Kagemusha se muestra, más de 20 años después de su estreno, como una de las obras más perfectas de Akira Kurosawa, uno de los dos o tres más grandes cineastas nipones del siglo XX.

LAS VACAS SAGRADAS

MK-1: TRAJE DESECHADO POR LA NASA

2008-12-17T14:24:00.004-02:00

En el premiado lugar en lengua castellana "EL BLOG DEL AUSENTE", encontramos todo tipo de simpáticas calamidades, entre ellas, este TRAJE RETRO LUNAR, que a su vez el toma de "MENEAME", que a su vez sustrae info de ....y así hasta la Nasa Punto Cero,,,(Q)

Imagen: Life

A medida que pasan los días, el archivo gráfico de la revista Life nos va dando nuevas sorpresas. La última es esta sesión de fotos, tema central de su portada en abril de 1962, sobre uno de los trajes que se descartó para las misiones que en los siguientes años llevarían al hombre a la Luna. En aquellos momentos, el modelo MK-1, diseñado por la compañía Grumman/Space General, parecía una idea factible para que los astronautas caminaran por la superficie de nuestro satélite con seguridad, y la revista Life le dedicó varias páginas bajo el título de "El viaje del hombre a la Luna". (Seguir leyendo)

El prototipo MK-1 consistía en un ancho cuerpo central y dos brazos extensibles que pretendían mejorar la maniobrabilidad. El diseño partía de la idea de que el astronauta debía portar consigo todos los elementos necesarios para la supervivencia. De esta forma, tal y como explicaba el reportaje, el astronauta disponía en su interior de "agua, comida, una pequeña estufa y aire acondicionado para combatir los cambios de temperatura de la superficie lunar".

Imagen: Apollo Missions

En el interior del traje, el astronauta podría cocinar, dormir y recorrer largas distancias. El aparente incoveniente de sus 90 de kilos de peso, aseguraban, no debía se problema en la Luna, puesto que la gravedad lo haría mucho más ligero.

Imagen: Apollo Missions

Por si el asunto resultaba poco friqui, la compañía también diseñó un vehículo para el desplazamiento de los astronautas, el denominado "Moonmobile", una especie de carromato que debía ser impulsado por gas a presión.

Imagen: Apollo Missions

Cincuenta años después, el aspecto de estos diseños primitivos sólo nos mueve a la risa y nos recuerda a algunos inolvidables clásicos de la serie B. Afortunadamente, fueron descartados a tiempo para el programa Apollo.

Vía: Reddit. Visto también en Menéame.

mejores comentarios en Menéame

Beakman_: #4 Seguramente porque no hacía buenos capuccinos ...
Ancalagon: ¡Houston, tenemos un cortado! xD xD ...
rapazz: #4 Por si encontraban vida inteligente ahí fuera, ...
Juan: Parece una cafetera con patas. ...
belial1971: Pues yo vi uno igualito en un desfile de Ágata ...
aberron: Explicación y fotos en Fogonazos: ...
xandri: ¿Y porqué lo desecharon? :roll: ...

UN PERFIL PARA FACEBOOK

2008-12-02T23:46:00.000-02:00

Perdón pido a los seguidores de este blog, si es que los hay. Estuve distraído con Facebook, la verdad, la cosa me secó el cerebro, es tan inteligente, es tan interactivo, es muy loco, es un bicho que te adivina lo que querés. Mete miedo, la verdad.

Capos los maestros. Claro que si nos van a vigilar a todos, es mejor estar entretenidos. Ojo, no me creo el importante, y mi vida y obra seguro a nadie interesan, a menos que ponga en la red algunas palabras que no debiera, entonces aparece en rojo el aviso, como ahora " No ha podido establecer contacto con B...com,,, Podrían producirse errores..." Copio y pego en mi escritorio para evitar la pérdida del texto...Hay que esperar que se le vaya el enojo al bicho. A ver ahora???

La verdad no me importa, después te acostumbrás, pero dá un poco de bronca tener que AUTOCENSURARSE para seguir en la red. Ni siquiera sentido del humor tienen, que vá. Para estos muchachos nortinos y sus inteligentes máquinas cibernéticas, vá un perfil de muá, o sea de yo, pa que se lo sepan, aunque a esta altura, saben de mí mucho más que yo:.......

SHORTBUS, PARA AUTOSATISFACERSE

2008-11-13T21:08:00.000-02:00

Shortbus es un film de John Cameron Mitchel que algunos califican de pornográfico. El cine de la UNC la presentó (con mucho coraje!) al comienzo de temporada. A mi entender, es la película más importante del año. Aunque en el resto del mundo fue presentada en el 2007, aquí llegó como y cuando pudo. Dije en otras notas que era un exquisito grito de libertad. No necesitás ser un zafado para disfrutarla, igual se goza un profundo sentido de humanidad. Bueno. A lo mejor, a algunos sensibles les puede molestar, pero si sos de cuero duro y está a tu alcance bajarla, no dejes de verla y de autosatisfacerte. (chiste)

Grande fue mi sorpresa cuando, recorriendo la red para buscar fotos del film, quise obstinadamente, bajar mis propias fotos, que ya habían sido publicadas en marzo. Las imágenes fueron sacadas por el blogger clandestinamente en un cine céntrico de Mendoza (Hay uno sólo!!!!) Pasó que a comenzos de año no había nada en internet y tuve que recurrir a ese pecadillo, pero el asunto lo merecía. Actualmente y tal como lo predije, hay imágenes a rolete y la película ya es de culto. Eso también me autosatisface.(Q)

LO QUE NECESITAS ES BUEN SEXO

2008-11-13T20:46:00.000-02:00

La revista El amante del cine, tuvo que esperar bastante para poder publicar esta nota de Diego Brodersen, con la que comulgo, pese a que no he andado en las lides que curten los protagonistas, puedo darme cuenta cuando estoy ante una obra del arte:"No parecen pocas las ambiciones del segundo largometraje de John Cameron Mitchell, Shortbus, particularmente en estas épocas de conservadurismo disfrazado de desfachatez . A su manera, Shortbus puede funcionar como vital respuesta al sexo funcional de, por ejemplo, una serie como Sex and the City, con sus mujeres profesionales en busca de una verga que reúna autoridad, destreza, valores de mercado, funcionalidad antropométrica y belleza.

Lejos del anhelo de esa quintaesencia fálica, Sofia anda tras el elusivo orgasmo; mientras que Severin, para quien alcanzar el clímax resulta tan fácil como chasquear los dedos, no puede interactuar con otro ser humano si no es de manera superficial, literalmente epidérmica (gran gag: Severin es un apodo de guerra, su verdadero nombre es Jennifer Aniston). Los hombres no la tienen más fácil con sus factibles eyaculaciones, criaturas anhelantes y algo tristes, corriendo detrás de un indicio de felicidad obcecadamente esquivo.

Así el film va perfilando un acercamiento a sus personajes, muy cercano en esencia a la teoría queer en su afirmación de la diferencia dentro de las categorizaciones en grupos sexuales, escapándole al mismo tiempo a la idea de “rareza” o “perversión” tolerada y santificada por la comunidad y los medios masivos, que suele darse cuando éstas no se corren demasiado de los estereotipos al uso.

Todo ello en una ciudad como Nueva York -ciudad redentora, como afirma uno de los habitúes del lugar-, simbolizada en una secuencia de animación naïf que funciona, a la vez, como separador y vínculo entre las diversas historias y personajes. Mitchell también se suma y parodia al cine con múltiples personajes, utilizando una seguidilla de problemas en el servicio eléctrico y un extenso apagón como puntos de inflexión del relato.

Shortbus se propone, en ese sentido, como una luz en la oscuridad, un faro humano, imperfectamente humano, entre tanta deshumanización. Y su mayor hallazgo es ese tono juguetón y algo desordenado que lo atraviesa de principio a fin, logrado en gran medida gracias al trabajo con el reparto -los actores improvisaron escenas y diálogos que luego serían incorporados al guión final- y el uso del sexo no simulado como materia prima de empatía emocional.

Hay una sensación que va ganando terreno con fuerza a medida que el film se acerca a su desenlace, y que el realizador no puede o no quiere –caben las dos posibilidades, e incluso ambas a la vez- esconder detrás de aseveraciones categóricas: no hay respuestas, sólo búsquedas, en su mayoría infructuosas. Lejos de ofrecerse como panacea cinematográfica a las soledades e insatisfacciones de la vida en las sociedades modernas, Shortbus se planta y resuelve no decir nada importante sobre el mundo.

Es una elección que puede sonar un tanto cobarde, y que carga inevitablemente al film de ciertas resoluciones un tanto ingenuas, pero que en el fondo guarda cierto grado de sabiduría. Al fin y al cabo, el cine está lleno de Babeles empecinadas en explicarnos las razones de los males que nos aquejan. A eso, Shortbus responde, sin enrojecerse y con una sonrisa franca y contagiosa: ¡ a coger que se acaba el mundo! Es como en los 60, sólo que con menos esperanza.

Con esa precisa frase Justin Bond –según dicen, un reconocido drag queen del off neoyorkino que se interpreta aquí a sí mismo- define el ambiente del Shortbus, local donde conviven las proyecciones de cine artie, las performances musicales más diversas y las expresiones de la sexualidad humana en su nivel máximo de libertad. Un boliche para descontrolar, podría pensar un malpensado, y no estaría tan errado. O tal vez sí, y mucho.

Porque Shortbus, el establecimiento pero también la película, lejos del reviente y la permisividad efímera, entienden la búsqueda de la plenitud sexual –sexo como necesidad, pulsión, sublimación del amor y del deseo, amancebamiento, fornicación, declaración física y espiritual- como un territorio utópico que bien vale la pena investigar, aunque se lo intuya perdido. El “amor libre” como camino condenado al fracaso, o al menos con escasas certidumbres de éxito, pero no por ello menos rico o valioso que otros senderos amorosos más trillados. (me refiero en particular al cine norteamericano contemporáneo, aunque la ecuación podría trasladarse a expresiones culturales y sociales de otras latitudes), y no es casual que entre sus imágenes se puedan encontrar algunas de las escenas de sexo más divertidas –el sexo también es diversión, claro- de la historia del cine." Por Diego Brodersen para El Amante del Cine.

ENTREVISTA A JIMBO WALES, FUNDADOR DE WIKIPEDIA

2008-11-10T01:04:00.006-02:00

Aunque diga lo contrario y se vista a la moda, Jimmy Jimbo Wales continúa el legado que imprimieron los nombres de Montesquieu, Diderot, Votaire, Rosseau y los hermanos Black. "Yo sólo soy un tipo amigable", se diferencia el padre de la colosal Wikipedia, que vino a Argentina para participar de la academia Wikimedia, que se realizó de manera gratuita, este jueves en la Universidad de Belgrano. Allí, ante una veintena de periodistas primero y, ante un ecléctico auditorio colmado de de curiosos más tarde, Wales se refirió al monstruoso engranaje de artículos que cambió para siempre la forma de pensar la ilustración y el enciclopedismo. Pasaron menos de ocho años, desde que Jimbo y su ex colega Larry Sanger, imaginaron una enciclopedia en Internet, colaborativa, gratuita y sin fines de lucro. Si acaso, hubiera especulado con convertir su criatura en el octavo sitio más visitado en Internet, de seguro nunca fantaseó con la obra múltiple, con versiones en 264 lenguas, y con más de 11 millones de entradas independientes en la que evolucionó desde 2001.

Nadie, ni el crítico más sesudo supone todavía el cambio epistemológico que representa la todavía infante Internet. Wikipedia es a esta altura uno de los motores del Aleph virtual y, promotora de la Web 2.0, es uno de los bastiones que pretenden liberar el software y, lo más importante, compartir el conocimiento. No obstante, no todo fue fácil para Jimbo, que tuvo que hacerle frente a las críticas del canon académico que señaló indignado cada error (u horror) casual o forzado de los miembros de la comunidad Wiki. En 2006, sin embargo, la prestigiosa revista Nature publicó un estudio que refutó de principio a fin las acusaciones contra la enciclopedia inacabable y viva al demostrar que el invento de Wales no tenía muchos más errores que la inmaculada Enciclopedia Británica. "Mucha gente se sorprendió entonces por la cantidad de errores que descubrieron en la Enciclopedia Británica, pero todos los periodistas comprenderán lo difícil que es hacer todo bien todos los días. Por eso, para nosotros lo más importante es averiguar lo que los miembros de la comunidad y los editores necesitan para trabajar con la mayor confiabilidad posible.No obstante, Wikipedia siempre tendrá errores, porque es parte de la condición humana", rememora y sentencia Wales. Un político en campaña, un pastor religioso o el líder de una secta parece el hombre cuando repite una y otra vez a lo largo de la conferencia de prensa, su palabra preferida: comunidad. De su empresa Wikia –que nada tiene que ver con Wikipedia- dependen 10 mil comunidades especializadas. La más activa en español extrañamente es sobre Pokemon, el reconocido animé japonés. "Para que una Wiki empiecen a rodar, sólo se necesitan 5 o 10 usuarios formados y comprometidos que trabajen, pero sobre todo, que se diviertan", explica Jimmy Donal Wales.

-¿De dónde emergió su confianza en "la comunidad"? -Al principio, no tenía esa fe. Cuando recién comenzó Wikipedia me costaba dormir a la noche, porque tenía la fantasía de que encontraría todo destruido cuando me levantara. Luego entendí que mucha gente tiene ganas de participar. Si la comunidad así lo quiere y cuenta, además, con las estructuras adecuadas, se convierte en algo factible. -¿Cómo lidia con las posiciones antagónicas sobre hechos o personajes? Wikipedia tiene una larga y fuerte cultura de neutralidad, con la que intentamos abordar temas espinosos como la historia y la política, entre otros. Si es posible argumentar y debatir, sin la necesidad de anular al otro, al final del día podremos llegar a una conclusión. Claro que hay excepciones y personas muy difíciles. Sin embargo, en líneas generales, es muy provechoso. -¿Cuáles son las áreas más y menos desarrolladas de la enciclopedia? -Diría que somos muy buenos en tecnología y ciencia, tenemos mucha historia y mucha cultura pop. Pero necesitamos más entradas referidas a bellas artes, sobre todo acerca de aquellas expresiones no tan difundidas. Por ejemplo, seguramente nos resta mucho por decir sobre la poesía antigua china. -¿Cuál es el perfil de los colaboradores? -Wikipedia no tiene estadísticas claras sobre quién contribuye, pero tenemos cierta idea, porque conocemos mucha de esa gente dentro de la comunidad. El grupo más grande es gente que tiene entre 20 y poco más de 30 años, con educación terciaria, aunque también hay gente mayor y más joven. -¿Pero cuál supone que es su motivación a la hora de participar? -Primero está la idea de que se trata de una enciclopedia libre. Es un concepto mayor que motiva a muchas personas. Sin embargo, pensar en un fundamento así ayuda sólo a veces, cuando por ejemplo, uno tiene un mal día. La razón más importante, es que disfrutan participando, lo incorporan como si fuera un hobby y, además es una forma de conocer gente inteligente, conversar, intercambiar visiones y pasarla bien.

-¿Qué grado de rigurosidad debe esperar hoy un usuario de Wikipedia? -Nosotros consideramos a Wikipedia como un buen punto de largada para iniciar a cualquiera en un tema que desconozca. Otorgamos información básica para que después el usuario pueda profundizarla. Como en muchos casos la gente no necesita profundizar, entonces nosotros queremos ofrecer la mayor calidad posible. Creciendo con Bush La plataforma de Wales empezó por casualidad, luego de que se forrara como corredor de bolsa en Chicago. Reconvertido en filántropo digital organizó su primera experiencia enciclopédica online, Nupedia. La caída fue tan alta como propulsora, y Wikipedia hizo su aparición el 15 de enero de 2001. Cinco días después George W. Bush accedía por primera vez a la presidencia de Estados Unidos. Tuvieron suertes disímiles. Ahora Jimbo dispara: "No pude votar, porque estaba en Corea, pero estoy muy complacido con el resultado de las elecciones". La voz de Wales en materia política no debiera pasar desapercibida. Wikipedia se transformó en un elemento de divulgación tan útil como poderoso. Acaso por eso desde las oficinas de la CIA decidieron "editar" la biografía del controvertido presidente iraní, Mahmud Ahmadineyad. No menos ilustrativo es, tal como recalca el propio Wales, el hecho que la mayoría de las 200 mil entradas de la Wikipedia en chino, hayan sido añadidas durante los tres años que la enciclopedia estuvo prohibida por Beijing. "Afortunadamente hay más gente que hable chino viviendo afuera de China que personas que hablen alemán", desafía Wales sobre el futuro de esa versión. Sin embargo, fuera de la arena política y las incertidumbres económicas, deberá sortear en el futuro un obstáculo acaso más difícil: la competencia.

-¿Qué opinión le merece la aparición de Google Knol, la enciclopedia de Google? -Tanto Google como nosotros, consideramos que no habrá competencia. Son productos distintos que apuntan a mercados diferentes. Por otra parte, Google Knol es muy reciente por lo que es muy difícil predecir qué sucederá. El tiempo se acaba y alguien lanza una pregunta, que si no fuera por el alcance real y potencial de Wikipedia, acaso sonaría forzada. -¿Qué lugar va a tener Jimmy Walles cuando se escriba la historia de Internet? -¿Personalmente? No sé, no puedo decirlo. Lo que sí sé es que en el futuro la gente mirará para atrás y seguro la mayoría estará de acuerdo en que Wikipedia fue algo positivo. La idea de poder hacer una obra comunitaria, con gente de todas partes del mundo y colaborativa, tan útil como ésta, me parece una idea muy cool, la verdad. Estoy muy orgulloso de ser parte de esto. -Las críticas, pese a todo persisten. Incluso hay profesores que se oponen a la utilización de Wikipedia... Es necesario enseñarles a los chicos cómo usar Wikipedia, pero, la idea de que "Wikipedia es mala" es como decir que el rock and roll es malo, es como decirles que no pueden escuchar rock. Hay que aprender sus utilidades sus limitaciones, si no, es cierto, podrían usarla de manera poco correcta.

Tomado de revista Ñ, del Grupo Editorial Clarín

MENDOTAKUS , UNA LENGUA OFICIAL

2008-11-05T21:09:00.000-02:00

Realizo aquí un formal pedido de utilización del término MENDOTAKU. Bha, cuando tengan ganas. MENDOTAKU es un neologismo, o sea, es una palabra que no existe en nuestro idioma, ni en otro, y que es utilizada para designar algo más o menos nuevo, o algo viejo pero desde otra mirada. El neologismo es un recurso poético que permite crear o unificar una palabra, pero sin que pierda sentido ni suene fiero. En este caso las dos letra O engancharon de maravilla. El término se empezó a utilizar en el Ciclo Animé por esa costumbre enfermita que tenemos de jugar con las palabras. Creo que MENDOTAKU es un término que pronto va a entrar en la Real Academia Lenguas del Cacique Guaymallén. Con esto su uso sería oficial, digo, al menos en Villanueva y su área de influencia.

EL INFIERNO DE VIVIR TAN LEJOS DE TODO

2008-10-02T13:32:00.000-02:00

Fui cobarde o realista? En los hechos no me mandé a la aventura ni siquiera cuando la última dictadura le puso precio a nuestras cabezas. Los argentinos pasamos parte de nuestra vida idealizando las sociedades más exóticas. En Alemania, en Perú, en Cuba, en España, en Japón estaríamos mejor. He sentido, aunque no me lo he confesado hasta ahora, que alguno de esos lugares podía ser mi sitio. Tonto no? En la práctica no me fui a vivir a ningún paraíso ideal . Porque tengo un sitio y es acá. Bah, no sé, digo.

Creo que ese sentimiento, que a los monjes medievales los llevaba a creer que en otro convento podían ser santos, lejos de la gente conocida que impide su desarrollo espiritual. Los religiosos le llamaban el pecado de acidia.

El blog de un argentino en japón cuenta la mirada, durante varios años, de alguien criado en estas pampas que vive de trabajador golondrina en el país nipón.

Es integrante de esa legión que emigró del país por razones económicas. A poco de llegar comenzó a tener una mirada distinta de la cultura japonesa, cultura de sus ancestros.

Es que la realidad es otra cosa y nuestros, pobres mortales vivimos en permanente estado de insatisfacción, cometiendo el peor de los pecados, la acidia. Aunque el que viajó por lo menos hizo la experiencia. Cada uno decide su camino. Malo es desear y no animarse, para esos de nosotros, no hay cielo. Aunque para los que se fueron y ahora no encuentran su lugar ni en un sitio ni en otro, se instala una especie de infierno personal.

Del blog Un argentino en Japón: "Soy uno de los sudamericanos descendientes de japoneses que a fines de los 80 llegaron en forma masiva a estas islas en busca de una mejor calidad de vida, es decir, un inmigrante económico.

Mi vida aquí, por sus características, es un poco diferente a la de aquellos que llegaron becados o contratados por empresas importantes.

Hasta la fecha trabajo como obrero en una fábrica de autopartes, digo hasta la fecha porque en cualquier momento puedo quedar en la calle, así de inestable es la situación de los extranjeros que se desempeñan como mano de obra no calificada en el archipiélago.

Obviamente, la visión que tengo de este país no es la del turista, ya que sufro esta cultura día a día. Justamente ese es el motivo por el cual escribo, para descargar el estrés que la rutina diaria me provoca.

El trabajo manual y repetitivo me está matando poco a poco, si no es por esta válvula de escape creo que enloquecería.

Es insoportable el tormento de vivir todos los días el mismo día, sabiendo de antemano que esto ha de ser así, al menos mientras califique solo para androide dentro del mercado laboral japonés.

Para finalizar con este pequeño perfil del autor: Ya dejé de tener la imagen romántica de estas tierras, la tecnología me importa poco y nada. A pesar de lo crítico que puedo ser, admiro en muchos aspectos a este pueblo.

No hay nada más desagradable para mí que pasear por Tokio, prefiero la tranquilidad del pequeño pueblo en donde vivo, este lugar no es el paraíso pero está menos cerca del infierno que las grandes ciudades. En fin, no es fácil vivir dentro de una sociedad alienada como esta.…Y para colmo de males, me he casado con una nativa.

El desdichado autor de este blog.

JOAN XAMAR: SOBRE LA MUERTE

2008-09-30T15:26:00.000-02:00

1

No señales al que se puso un tiro entre xeja xeja
corre la sangre hilada de gustores por
la comisura de la boca desa cara
desencantada un poco de la
muerte
creia que ottra cosa era
la muerte
mas deseble como niña
esa la muerte
habia calculado un efecto
de cascadas con su muerte muerte
solo vinieron los gritos cada tanto de alguien que te quiso
hace temporadas te quiso alguien y ya
sos un cuerpo tirado solo
una huella /una sombra
sobre la alfombra

Continúa en el blog Divagaciones de Joan Xamar

LA MELANCOLÍA COMO NEGACIÓN DE LA VIDA

2008-09-30T14:32:00.000-02:00

"Paracelso escribe en 1520 un libro que será publicado en 1567. Su título, De las enfermedades que privan al hombre de la razón. A pesar de su contestación al humoralismo, mantiene los humores en su sistema respecto a los temperamentos (colérico, sanguíneo, flemático, melancólico) en conexión con los sabores: amargo (cólera), salado (sangre), dulce (flema) y acre (melancolía). Paracelso diferencia cinco grupos de locura: (1) lunatici: dependen de los estados de la luna, (2) insani:, problema intrauterino y hereditario, (3)vesani:, por excesos de comida y bebida, (4) melancholici, por causas internas o secundarias a otras enfermedades y (5) obsessi, poseídos.

Sus explicaciones sobre la melancolía serán retomadas más de un siglo después por Thomas Willis, cuyas concepciones sobre las enfermedades del cerebro dominarán el siglo XVIII, y sus planteamientos alquímicos sólo podrán llevarse a cabo a partir de Lavoissier, doscientos cincuenta años más tarde, llegando hasta hoy. La medicina sigue inmersa por entonces aún en el humoralismo galénico. La melancolía es un humor, un temperamento y una enfermedad. Como enfermedad, se explica por la presencia de bilis negra en el cerebro, afectado por los vapores de la bilis negra adusta a partir de los cuatro humores. Las terapias médicas siguen siendo purgas, sangrías y regulación de los seis no-naturales. Se presta cada vez más atención a los aspectos psíquicos (morales) y, por influencia del protestantismo, desde el siglo XVI aparece la culpa como uno más de los síntomas de la enfermedad."

Enrique Galán Santamaría

EL SUICIDIO ES UN ASUNTO PERONAL

2008-09-28T13:34:00.000-02:00

No es que el suicidio sea algo esperable. Para nada. La muerte a mano propia es algo terrible. José Genoud, quizá el político mendocino de mayor influencia y persistencia en el tiempo, optó el jueves por ese camino. La depresión que sufriera hace un tiempo, la lucha con sus enfermedades que al parecer había vencido, la sospecha que la sociedad depositó en su figura por un caso de corrupción en el Senado de la Nación en el 2001. Quizá, digo y es una opinión nomas, eran demasiadas cosas juntas para la espalda de una sola persona. A veces, apagar la luz es la salida que parece más razonable cuando el cansancio de vivir se instala. No juzgo el suicidio ni para bien ni para mal. Es un asunto personal. Cuando más familiar. Para su familia, mi pesar. Para el personaje público que nunca entendí, mis respetos a su decisión, descanse en paz.

BAUHAUS y AUTOREPRESIÓN

2008-09-24T11:51:00.000-02:00

En el último número de Fierro volvió a aparecer una historieta de Minaverry . Entonces me acordé de una salida de un año atrás. Era 20874 , con guión y dibujo del mismísimo Minaverry. Ya en propuestas anteriores este autor me había conmovido con esa estética despojada, dura, que muestra un mundo de dibujo y ademán racionalistas. Mucho uso del blanco, del silencio.

Es la Berlín de posguerra. La protagonista trabaja con archivos en una oficina del estado, en una de las dos Alemanias. Le pasan cosas que pueden parecer insignificantes pero son fuertes.

Como cuando piensa que al final de cuentas, los nazis también como ella, eran ordenados en el trabajo, pasaban sus jornadas en esa misma oficina clasificando números de carpetas que nunca abrieron, exactamente como ella.

Porque en apariencia todo está razonablemente bien. Los servicios han vuelto a funcionar. La gente consigue trabajo. Es duro pero aceptable. El futuro empieza a asomar. Sólo molesta un poco el pasado. Igual que acá. Argentina es una Berlín de posguerra.

Curioso, la herencia de la Bauhaus saltó desde República de Weimar durante la guerra hasta Nueva York y volvió en forma de ocupación extranjera.

La estética racionasta extrema de Walter Gropius y Mies había triunfado. Deberían estar mal pegada con tanta destrucción y muerte, pero los escombros que tapaban la estética nacional socialista se removían para dar paso a la ciudad funcional.

No es una historieta popular ni simpática. Seguramente para la gran mayoría no debe ser fácil leerla con interés. Cuál es la emoción? Cuál la aventura? Incomprensible para quien no entiende que la autorrepresión es un arma que utizan los pueblos para seguir vivendo, malamente.

SECRETOS DE UN DANDY ORIENTAL

2008-09-17T14:26:00.000-02:00

Yasunari Kawabata hace de la literatura un ejercicio exquisito donde no sobra nada. Esta es la esencia del minimalismo. En general, el arte japones más elevado tiene ese atributo. Prueba extrema son los haiKú, poemas mínimos de tres líneas. En la novela, el cuento, nuestro autor logra ese efecto de uso de la palabra esencial.

Difundo en todos los ámbitos esta literatura de recursos despojados. Para nuestro carácter latino, tan proclive, bellamente sin duda, a los barroquismos, es encontrar al Otro, cara y cruz de la moneda.

Para nosotros hay mucho que aprender de esta forma de arte. Pero más que una lección, nuestro autor nos puede traer un goce estético inesperado.

En el capítulo inicial de Las Bellas Durmientes. una de sus últimas obras publicadas, condensa la sabiduría de quien ha vivido intensamente y por eso sabe del espíritu humano.

Quede claro que la situación es esencialmente perversa, pero vale como testimonio. También Yasunari es un hombre de mundo que conoce, además de la cultura, los barrios de la prostitución y sus extraños rituales.

En Las Bellas Durmientes, el antiguo oficio se mantiene en un ámbito poco habitual. No debería contarles que las muchachas, jovencísimas, permanecen narcotizadas con opio.

Sin embargo, son sólo objeto de contemplación de los ancianos. Al menos eso se declara formalmente. Sobre lo que realmente sucede adentro de los cuartos nadie habla. Terrible sin dudas, pero nuestra autor narra lo que vio y vivió en su Tokio nataL.

Pero por ahí uno interrumpe la lectura. Se hace difícil digerir lo que sucede y no sucede. Lo que no se cuenta, lo que queda entre las líneas y es que al escribir, Yasunari lo hace refinada y cruelmente. Sin dudas es la palabra de un dandy oriental.

UNA REFINADA PERVERSIÓN

2008-09-17T13:34:00.000-02:00

Debo confesar que estuve apunto de bajar el fragmento de Las Bellas Durmientes publicado el día lunes. No por temor a la censura. Tampoco por lo que pudiera opinar la derecha católica. Mucho menos las militantes de las causas feministas que por su formación deberían comprender.

La censura provenían de mi propio interior, un territorio que han dado a llamar conciencia y que yo, existencialista incurable, materialista empedernido, identifico con el dolor de estómago.

Prevaleció en mí el adicto a la adrenalina y salió nomas. Inmediatamente, me llegó el mail con un comentario favorable, justamente de una mujer, que entendía sobre estos asuntos del arte.

Claro que para ver la dimensión de la extrema inmoralidad a que son sometidas Las Bellas, hay que conocer algunos detalles sobre la vida esclava que llevaban esas niñas en las pensiones del Japón.

Dejamos para un próximo avance los testimonios sobre el rol de la mujer en algunos países del oriente que nosotros idealizamos. Miramos para otro lado. Quizá por falta de compromiso o puro espíritu romántico.

Estuve viendo un caso parecido al de los zapatos que les colocaban a las niñas pequeñas, varios talles menores a sus pies, para que fueran más femeninos. El caso que desconocía es el de los gatos criados en frascos, para que adaptando la forma del vidrio, fueran un prodigio digno de admiración.

Crueldad contra la mujer y los niños, crueldad contra la Naturaleza, refinada crueldad. Hasta hace poco aprobada por toda la sociedad nipona. Habría que ver si esto ha cambiado o solo se esconde.

EVANGELION 1.01 EN EL MICROCINE

2008-09-16T19:48:00.000-02:00

Si la sabías de memoria perdiste. Una sorpresa para los fanáticos, una perlita novedosa, una historia que nunca se nos va. Evangelion recauchutada. Mirate aquí un adelanto. Aunque sé que la mayoría conoce la serie de memoria, se van a encontrar conque esta película no es igual. Hay nuevas situaciones y personales. Menos cosa sicológica y más humanidad en la lucha de los EVA. Tambien, según pude ver, hay cambios en el aspecto y recursos mortíferos de los ángeles.

LAS BELLAS DURMIENTES

2008-09-16T14:45:00.000-02:00

"...No debía hacer nada de mal gusto, advirtió al anciano Eguchi la mujer de la posada. No debía poner el dedo en la boca de la muchacha dormida ni intentar nada parecido. Había esta habitación, de unos cuatro metros cuadrados, pero al parecer no había más habitaciones en el piso superior; y como la planta baja resultaba demasiado reducida para alojar huéspedes, el lugar apenas podía llamarse una posada.

Probablemente porque su secreto no lo permitía, el portal no ostentaba ningún letrero. Todo era silencio.

Tras serle franqueado el portal cerrado con llave, el viejo Eguchi sólo había visto a la mujer con quien ahora estaba hablando. Era su primera visita. Ignoraba si se trataba de la propietaria o de una criada. Era mejor no hacer preguntas.

La mujer, baja y de unos cuarenta y cinco años, tenía una voz juvenil, y daba la impresión de haber cultivado especialmente una actitud seria y formal. Los labios delgados apenas se abrían cuando hablaba. No miraba a Eguchi con frecuencia. Algo en sus ojos oscuros minaba las defensas de éste, y parecía muy segura de sí misma .

Preparó el té con una tetera de hierro sobre el brasero de bronce.Las hojas de té y la calidad de la infusión eran asombrosamente buenas para el lugar y la ocasión –con objeto de tranquilizar al viejo Eguchi.

En la alcoba pendía un cuadro de Kawai Gyokudö, probablemente una reproducción, de una aldea de montaña al calor de las hojas otoñales. Nada sugería que la habitación albergara secretos insólitos.

–Y le ruego que no intente despertarla, aunque no podría, hiciera lo que hiciese. Está profundamente dormida y no se da cuenta de nada. –La mujer lo repitió–: Continuará dormida y no se dará cuenta de nada, desde el principio hasta el fin. Ni siquiera de quién ha estado.

La mujer se puso de pie y abrió la cerradura de la habitación contigua. Utilizó la mano izquierda. No había nada notable en este acto, pero Eguchi retuvo el aliento mientras la miraba. Ella echó una mirada a la otra habitación. Sin duda estaba acostumbrada a mirar por las puertas, y no había nada extraño en la espalda que daba a Eguchi. No obstante, parecía extraña.

Había un pájaro grande y raro en el nudo de su obi. Ignoraba de qué especie podía tratarse. ¿Por qué habrían puesto ojos y pies tan realistas en un pájaro estilizado?

No era que el ave fuese inquietante por sí misma, sólo que el diseño era malo; pero si había que atribuir algo inquietante a la espalda de la mujer, se encontraba allí, en el pájaro. El fondo era amarillo pálido, casi blanco.

La habitación contigua parecía débilmente iluminada. La mujer cerró la puerta sin dar vuelta a la llave, y colocó ésta sobre la mesa, frente a Eguchi. Nada en su actitud, ni en el tono de su voz, sugería que había inspeccionado una habitación secreta..."

Fragmento de LAS BELLAS DURMIENTES de Yasunari Kawabata

IKARI: LAS RAZONES DE UN PADRE MALVADO

2008-09-14T12:52:00.000-02:00

A la hora de elegir avatar, no dudé. Siempre quise ser como el señor Endo Ikari. Pero claro, a diferencia de él, sería amigo de mi hijo varón si lo tuviera, eso creo. La fortaleza del hijo depende de la atención con que su padre lo ama y al mismo tiempo lo deja libre, lo ignora. Esto en términos generales. Claro que a este personaje de la archiconocida serie de anime Evangelion se le va la mano con Shinji. Tan grande es la distancia entre padre e hijo, que llega a ser el símbolo terrestre de la mala relación que plantea la serie entre Dios y los Hombres. No sé entonces porqué me identifico con este padre malvado. De algún modo, Ikari es un truán, pero me cae muy bien. Debe ser porque el señor Ikari lucha por el bien supremo. Como hombre también, Ikari es un niño grande rebelde en la lucha Universal. Dios es el padre enojado, que manda a los ángeles para destruir el mundo. Y en este trance final, apocalíptico, Ikari se pone al frente en el combate. Debe ser el supremo hijo. De ahí su perfil épico. En esto Shinji debe apoyarlo o apartarse. El dolor de Shinji por la falta de atención es una anécdota frente al ataque de los ángeles y la supervivencia de la especie humana.

UN ANTI - PACMAN PARA CALMAR TU ANSIEDAD

2008-09-13T00:17:00.000-02:00

THE TRUMAN QUINTANA SHOW

2008-08-29T22:03:00.000-02:00

Hoy pasó algo que pensé nunca me pasaría. Sentí odio social. Para un tipo de la izquierda democrática no es algo fácil de digerir. Pero cuando un semáforo detuvo mi auto en calle Paso de los Andes y se me acercaron varios muchachones para pedir, sentí deseos de que se esfumaran, o sea de que no estuvieran, o sea, que si la la cosa se complicaba, por primera vez en la vida, pensé que si tenía un arma por ahí los liquidaba sin contemplaciones. Mal no?

El martes tres tipos se bajaron de un taxi y por una cartera mataron a un pibe en la Cuarta, zona hasta ahora tranquila. A los pocos días, allí mismo, le plantaron un puntazo en el abdomen a otro pibe, porque sí nomas. Me dicen que es la droga mala, el paco. No sé, es la explicación fácil. Yo creo que es odio.

Ayer, a la salida de la reunión que convocó el gobierno sobre seguridad, el cura que fue representado al arzobispado, fue cruzado por dos adolescentes en plaza España y golpeado hasta decir basta. Y el tipo venía de hablar de la situación social y la violencia!

Se hará realidad la lucha de clases, pero sin el marco del marxismo? No la lucha del proletariado. La lucha social será entre nosotros, los sobrevivientes de la clase media y los más humildes, los cada vez más desprotegidos y violentos?

Adonde nos lleva esto? Quien conduce el barco de la sociedad argentina hacia un témpano? Nadie responde. Esto es un espectáculo. Desde luego, la aristocracia mira detrás de los cercos de los barrios privados. Hagamos un alto en el combate callejero y saludemos a las cámaras que después la gente importante nos ve por cable. Los sábados a la mañana bajan al centro a ver las manchas de sangre en la vereda.

SOY UN OTAKU, O SOLO LEVEMENTE?

2008-08-27T23:18:00.000-02:00

Soy un Otaku del subdesarrollo. Otaku significa Fanático en japonés. Se aplica especialmente a los incondicionales del manga y animé. Son personas que hacen de este tema el centro de su vida. Los dibujos japoneses se han impuesto en occidente. En el país nipón cuentan con millones de adeptos. Yo apenas soy un aficionado. Me intereso también por otros aspectos de la vida. Un verdadero Otaku no tiene tiempo ni para su apariencia personal. Sabe de series , Ovas y películas, directores, personajes. sabe mucho de eso y solo de eso. Es, ya dije, un fanático. Desconoce muchas cosas de la vida real. Un verdadero Otaku debe parecerse al personaje que se describe abajo.

ANIME, EL ARTE DEL DOLOR

2008-08-18T23:27:00.000-02:00

Estoy dedicado a revisar filmes de Anime, el género de dibujos animados para adultos Made in Japan. Debo reconocer que es un arte que me pega fuerte. En esto tienen que ver los argumentos, que lejos de la linealidad que alimenta el cine yanqui, recorren vericuetos intrincados, complejos, pero siempre lúcidos. El anime se sostiene en líneas argumentales. Es su invisible y principal característica.

A la hora de ser invitado para hacer la programación del ciclo que sostiene la Municipalidad de Mendoza en su microcine, los días jueves a las 21, tuve en cuenta fundamentalmente la riqueza de la narración, la construcción de los personajes. Elegí en definitiva, como lector y escritor más que como fanático. Sin embargo, me doy cuenta de las virtudes de este cine. Su evolucionado dibujo, la música, el manejo del tiempo, merecen capítulo aparte. Como sucede siempre, una buena obra es la que conjuga todo los aspectos.

Caí entonces, en la programación de agosto, inevitablemente, en los grandes cLásicos, las obras maestras y los directores consagrados. Prometo que no se va a volver a repetir. Simple, porque no hay tantos clásicos del Animé. A partir de ahora, ponemos la máquina en aleatorio y nos arriesgamos a poner lo que nos pinte y lo que sugiera la gente.

Un ciclo debe mostras las distintas vertientes. Lo único que no pasaremos es Hantai, por razones instiucionales. Pero ganas no me faltan. El Hanti es un dibujito animado para señores verdes y señoras con poco estímulo. Mentira, es un universo explícito, pero con la ventaja que allí no se explota a nadie. En el Hantai, el amor y la perversión no reconoce límites. Bueno, es una forma de mirarlo. Veremos si se da la oportunidad de incluir alguna perlita.

Un capítulo aparte es el difícil compromiso de hablar ante cientos de jóvenes, sobre un arte y una estética que es central en su vida. Cualquiera de los presentes a esas funciones ha visto miles de series de televisión en Animax. Comparten un lenguaje con sus códigos propios. Los más grandes en el fenecido canal Locomotion, lo mejor en dibujos para adultos en la historia de la TV. Allí conocí hace más de diez años el anime. Desde entonces, con altibajos, he visto cosas buenas y malas.

En estas primeras charlas pude salir airoso. Espero, como pone la maestra en la hoja a sus alumnos, continuar así. Desde luego, resultó interesante darle un enfoque histórico y social, enfocando un ángulo que no siempre se tiene en cuenta y que es del todo evidente. Las circunstancias del Japón en la posguerra. La cuestión de las bombas sobre Hiroshima y Nagasaki, el trauma del Apocalipsis.

Recordaba que la segunda guerra mundial había ya concluido cuando los yanquis, de puro entusiasmo, arrojaron las bombas atómicas, simplemente para probarlas como armamento y demostrar al mundo la superioridad militar del quien fue desde ese momento, imperio global.

Los nipones elaboraran su trauma mucho mejor que los alemanes, quienes escondieron y esconden las atrocidades del Tercer Reich, simplemente borrándolos de la memoria colectiva. En el arte japonés, la derrota, la humillación de esos hongos atómicos, es omnipresente y tema central de los argumentos del anime. Es menos derrota si se la tiene presente. Y ni hablar de como utilizan los recursos occidentales para penetrar en Norteamérica.

COWBOY BEBOP, AKIRA, BLOOD, MEMORIES, son las películas elegidas para agosto. Desarrolan de un modo u otro los temas de un apocalipsis concreto, que en la pantalla se lleva al futuro, como si la destrucción de la nación fuera inevitable. Atentado biológico, energías humanas desconocidas, vampiros experimentales, bombas de olor, todas metáforas de la angustia colectiva de un Japón que se muestra en el animé.

Quizá esa obsesión sea sana porque saca afuera lo que los alemanes no se atreven. Algo parecido al proceso represivo ocurrido en América latina, donde países como Argentina saca y muestra su dolor por los desaparecidos, mientras en los vecinos, escarbar en el tema es tabú. Definitivamente expresar el dolor es mas sano que esconderlo.

El programa y la ficha técnica de las películas de agosto puede encontrarse en Mendoza Cool 01

GANKUTSUO, EL CONDE DE MONTECRISTO

2008-08-15T16:15:00.000-02:00

No es fácil encontrar nuevas series de televisión que despierten el interés y te atrapen . A mí me pasa, que tengo que encontrar novedad en lo que se propone. Que me llame la atención y me diga que la creatividad sigue viva. Busco en el arte aún en la televisión, algo que alimente mi capacidad de asombro. Si no es así, simplemente me aburro. Y me vuelvo a los clásicos.

Hace un tiempo hice un hallazgo casi arqueológico, lento como soy, descubrí lo que muchos sabían, un anime nacido hace tres años, digno de ser ofrecido en plato de banquete para los amantes de la ficción. Entusiasmado por la visión de Gankutsuo. El Conde de Montecristo busqué algunos antecedentes en la red.

Encontré una buena nota en Bacanalnica. com, un sitio nicaraguense, que está bien puesto. Me he tomado el atrevimiento, Montecristo seguro me lo perdona, de tomar prestadas sus palabras, porque las encontré exactas.

"El conde de Monte Cristo casi parece un vampiro: orejas puntiagudas, un color azul en la piel, heladas manos que parecen garras y muestran extraños dibujos. Eso sólo sirve para espantar a Franz, el amigo de Albert, y subyugar a éste. De la Luna pasan a París, en Francia, en la Tierra; un París cercado por una muralla, una Tierra que fuera de esa muralla no nos es dado conocer. Aunque quien más y quien menos ha leído El conde de Monte Cristo, su figura y las circunstancias en que se desarrolla la historia han despertado mi curiosidad."

Son 24 capítulos llenos de trementina, en donde cuesta despejar las ideas plásticas para entrar en el argumento. Hecho esto, aceptada la propuesta estética innovadora, comprendido el hilo y los personajes, la serie es una delicia.

Eso sí, preparate para sufrir el vértigo de una mezcla futurista y onda francesa del siglo 19, un estilo rococó delirante, todo abigarrado a más no poder, repleto, con tramas en paisajes, tramas en mobiliario, cabellos y vestimentas, tantas tramas que desconciertan. Y el argumento se desplaza bastante de la conocida historia El Conde de Montecristo de Dumas, con una Ciudad de París extraña a más no poder. Aceratadamente se mantiene el estillo folletín con que se presentó la novela, dando suspenso al final de cada capítulo para engancharte en el siguiente. Antigua técnica occidental.

Pese a la opiniones de algunos, creo que la decoración excesiva concuerda estupendamente con el espíritu original de la novela de Alejando Dumas. Donde la riqueza y la ostentación son la razón de vida de los personajes. Son símbolos de poder absoluto.

El desarrollo es un poco lento y se regodea en lo estético, pero el final sorpresivo, repentinamente violento, patea el tablero de la mejor manera y no deja títere con cabeza.

Nota: encontrá la novela completa de Alejandro Dumas en el sitio Quiero leer.

EL AFICHE POLACO Y METAFÍSICO

2008-06-13T17:55:00.000-02:00

Curiosamente, recorriendo el museo del subsuelo de la Plaza de la Moneda en Santiago de Chile, entre cuestiones relativamente esperables, como la obra pictórica Violeta Parra, la Influencia Hispana en América, los Tabloides de Santiago colonial, encontré digo, algo fuera de contexto. En un sector marginal, bajo la rampa de acceso, una muestra de afiche polacos. Polacos? Y de dónde? Y por qué? Nadie me explicó.

Saqué docenas de fotos en forma clandestina, porque las imágenes de los afiches polacos eran una mezcla de lujuria y racionalidad. Como si los alemanes fueran pasionales. O los rusos en extremo racionales (esto es un chiste para mi amigo Andrés) Supe de este nombre y de otros que me cuesta escribir y más pronunciar. Viajado por la red, buscando posters de roqueros, también en forma impensada, me topé de nuevo con esos nombre, y sobre todo, esas imágenes. Por ahora y es demasiado, con nosotros, Roman Cieslewicz y su emocionante obra.

El exilado Roman Cieslewicz (1930-1996) convirtió el afiche en medio metafísico para expresar lo abstracto de la idea: síntoma de alienación existencial en un momento de ansiedad en la historia europea (Cieslewicz estaba exilado en París desde mediados de los 60). Su técnica preferida fue crear medios tonos y aumentarlos hasta lograr dos niveles de información entre imagen y los puntos que devienen en rica y sugerente textura a la misma.

Cieslewic quien hizo afiche, tipografía de libros, fotomontaje y collage cuenta con numerosos merecimientos: Premio Trepkowski (1955); Primer Premio de Afiche, Varsovia (1956), Primer Premio de Afiche, Karlove Vary (1964), Medalla de plata en la Bienal de Katowice (1965) y Medalla de oro (1967 y 1971 respectivamente). Medalla de oro de la Bienal de Varsovia (1072) y Medalla de bronce en 1984, finalmente segundo premio de la competencia en Lahti (1993).

Los afiches, han sido transcriptos del blog www.tumiamiblog.com/2008_03_01_archive.html

Google Earth inmortaliza a una mujer desnuda en sus mapas

2008-06-08T00:06:00.001-02:00

He decidido abrir esta sección para q entre todos colguemos las noticias más raras pero verídicas q leamos por internet, prensa o veamos en televisión, xq raras las hay y MUCHO!! Seguro q entre todos recopilamos unas cuantas. Aqui empiezo yo con esta

Google Earth inmortaliza a una mujer desnuda en sus mapas

Imagen en la que puede verse a la mujer tomando el sol.

La semana pasada Google Earth actualizó los mapas de algunas zonas. Los usuarios han descubierto en ellos la imagen de una mujer desnuda tomando el sol, lo que reaviva la polémica del derecho a la intimidad.

Google Earth, el programa que ofrece imágenes aéreas de todo el mundo, renovó la semana pasada los mapas de los Países Bajos.

Los usuarios del popular programa no han tardado en descubrir una imagen en la que los expertos creen ver una mujer desnuda tomando el sol en una terraza.

Google Earth localizar cualquier punto geográfico y ver la fotografía satélite del lugar. Un usuario de Meneame ha descubierto incluso las coordenadas en las que puede visualizarse esta imagen.

Para visualizar la captura original del satélite, tan sólo hay que introducir las siguientes coordenadas: 52.04.43.36 Norte; 4.19.58.00 Este.

Más allá del hecho anecdótico que puede suponer este hallazgo, esta imagen reaviva la polémica de la privacidad que siempre ha rodeado al popular programa.

A ello se suman las numerosas teorías que afirman que algunos mapas de Google Earth se retocan para ocultar zonas protegidas.

Fuente: http://www.20minutos.es/

EL AMOR DE UN ERIZO

2008-06-06T13:04:00.001-02:00

"Me daba tanta vergüenza ir a una clínica normal a discutir mis problemas sexuales que estaba dispuesto a cualquier cosa", confesó un hombre de 35 años que recurrió a un curandero para terminar con su problema de eyaculación precoz. Zoran Nikolovic estaba muy preocupado por su desempeño en la cama. Quería mejorar para sorprender a su pareja, pero la idea de ir a un especialista lo aterraba. Con un poco de valor, se atrevió a visitar a un curandero. Sin ofrecer resistencia, el serbio escuchó los consejos que le dieron. Al llegar a su hogar, consiguió un erizo e intentó mantener relaciones sexuales con él. Un desenlace doloroso.

"Hemos realizado operaciones similares en otras ocasiones, pero sólo con pacientes que habían sufrido accidentes. Nunca habíamos visto algo así, y dudo que lo volvamos a ver", destacó uno de los médicos que atendió a Zoran. El pene del hombre quedó destrozado por el encuentro, por lo que debió someterse a una intervención de urgencia. La víctima de este incidente está preocupada por la reacción de su novia. "Dios sabe qué pensará de mí: no sé si me dejará por pensar que soy un pervertido o por haber sido tan idiota", comentó. Fuentes del sanatorio aclararon que el erizo está "en perfectas condiciones". El único con secuelas fue el serbio.

Publicado por La Semana, el 27-03-08

BALLARD, UN DESCARNADO NIHILISMO

2008-05-03T03:42:00.000-02:00

La obra de Ballard me ha influenciado en demasía. No tanto en el aspecto literario, sino en el más básico de la mirada. Ahora el tío se ha puesto de moda. En los suplementos literarios aparece seguidito. Hasta la Ñ se despachó con tapa y medulosos comentarios. Me alegro. Seguro que siguiendo un antiguo patrón de la industria cultural, ha llegado la hora de valorarlo, porque está viejo. Parece que es el método del consumo.

Para tu información, te cuento que J.G.Ballard es el autor de novelas tan controvertidas como CRASH, que llevada al cine por Cronenberg, se transformó, como es habitual, en otra cosa, pero sin dejar de ser una obra de arte con todas las de la ley. Si el texto te resulta engorroso, te recomiendo disfrutes el film. Eso sí, podés verlo si sos una persona desprejuicida, porque aunque no es explícito, aquí se combinan los accidentes automovilísticos y el sexo. Una fórmula que los protagonistas no sólo aprovechan, sino que provocan.

También Ballard es el mentor de otra obra llevada al celuloide, EL IMPERIO DEL SOL, dirigida por Spielberg, que desde luego, es fácil de conseguir y mucho más de digerir. Recomendable visión autobiográfica de este hijo de la Britania que se ve atrapado en los avatares de la guerra entre dos potencias orientales.

No deseo aquí hablar de la literatura de Ballard, sino apenas entreabrirte la puerta para acceder a su mundo. A lo largo de una veintena de novelas, J.G. se dedica a pintar un paisaje a veces desolado, que es reflejo del paisaje que llevamos adentro, mucho surrealismo y todavía más nihilismo, pero de manera extremadamente consistente.

Estos dos libros-filmes son un caso de excepción. No esperes encontrar en el resto de las novelas este desaforado realismo. Se lo ha clasificado hasta ahora como creador de ciencia ficción, pero Ballard escapa a los rótulos y es mucho más que eso. Un autor que te puede cambiar.

REI AYANAMI EN LA WIKIPEDIA

2008-04-15T01:31:00.000-02:00

La Wikipedia dice: Rei Ayanami es un personaje de ficción del manga y anime Neon Genesis Evangelion. Es la Primer Niño y piloto del EVA-00.Es una adolescente socialmente introvertida y raramente interactúa con alguien, a excepción del comandante Ikari, por quien inicialmente demuestra una gran lealtad, sentimiento que va cambiando en el transcurso de la serie (en el episodio 15, ella dice: "no sé qué clase de persona es", refiriéndose a Gendô Ikari. Además, parece confundida por la creencia de Shinji Ikari de que ambos son muy cercanos). Vive sola en un humilde apartamento en Tokio-3.

La Rei que vemos en la serie es la segunda (porque la primera fue asesinada por Naoko Akagi). Interactúa con Shinji y al parecer siente atracción hacia él, como se ve en diversos capítulos. Luego sigue la tercera Rei, que aparece después de la muerte del ángel Armisael conjuntamente con Rei II, la cual se sacrifica, en el episodio 23.-"Lágrimas" ella dice: 'Éste es mi corazón, el cual desea unificarse con Shinji). Casi al final de la serie, Shinji descubre que Rei es el clon de su madre con el alma del ángel de la humanidad.

Un hecho importante acerca de Rei,es que aunque las personalidades de estas 3 Rei son diferentes de cada una de las otras, su alma es una y la misma por ser derivada de Lilith. Otro hecho es que su origen y herencia son deliberadamente no especificados. Así ella piensa que no es completamente humana. Ritsuko Akagi dice que Rei nació en un cuarto en los niveles más bajos de los cuarteles de NERV, pero eso es todo lo que se sabe a ciencia cierta acerca de su creación. Su misterioso pasado ha permitido a los fans elaborar múltiples teorías de como ocurrió su creación.

Kaworu Nagisa menciona escuetamente en la única conversación entre ambos, que ella es "lo mismo" que él. Esta declaración fue ampliada en el "Director's cut" del episodio, en el cual Kaworu continúa diciendo que él y Rei son recipientes humanos para las almas de Adán y Lilith, respectivamente, pero dado que él fue mal informado por SEELE acerca de la localización del cuerpo de Adán, no hay manera de saber cuánta de la información proporcionada por él es exacta. Él es definitivamente una contraparte o paralelo de Rei en muchas maneras, sugiriendo que ambos tienen orígenes similares.

Gendo Ikari presenta a Rei (la primera) al personal de NERV en el 2010 como una "niña conocida" que está temporalmente a su cuidado. Como sea, hay evidencia de que él la creó y es casi seguro que le puso nombre, debido a que él le había dicho a su esposa Yui, cuando estaba embarazada de Shinji, que si el bebé resultaba una niña la llamaría Rei. En el libro The Red Cross Book se afirma que Rei fue creada de “restos salvados” de Yui Ikari después de la absorción de Yui en la Unidad 01. Otros, creen que Rei fue un accidente, producto del experimento que causó esta absorción, o en el intento de recuperar a Yui, después del mismo. Se dice que ella tiene 14 años y que nació en el año 2000, como los demás pilotos de EVA.

Desconozco que valor pueden tener las obras de animé en el futuro. Sí que a comienzos de este siglo son importantes. Reúnen mitos de oriente y occidente, reúnen estéticas. Entre estos trabajos realizados en Japón, destacó por su carga dramática y filosófica, Evangelion.

Un personaje de Nerv se recortó nítidamente por su misterio, mezcla de fortaleza y fragilidad, es Rei Ayanami. No es tan fácil de explicar que despierta esta muchacha en el corazón de los hombres. Lo que sí veo es que hay mucha gente tratando de descifrar la psiquis de este ser imaginado por Gainax, a los que me sumo ahora, sabiendo que es una pretensión imposible.

Notable es también que la Wikipedia tenga una página importante para este personaje. El texto no es muy entretenido, pero sirve para una aproximación.

EL TEMPLO, GAO XINGJIAN

2008-04-03T22:51:00.021-02:00




	© Editions du L'Auve
	Nadábamos en una felicidad perfecta, el deseo, la pasión, el cariño y la dulzura del viaje de bodas que había seguido a nuestro casamiento, aunque sólo tuvimos un par de semanas de vacaciones: diez días concedidos por la ocasión y una semana de vacaciones normales. El matrimonio es cosa de toda una vida; nada es más importante para nosotros, ¿cómo hubiera sido posible no pedir unos días de más? Pero mi jefe, tan avaro, regateaba hasta el último centavo cada vez que alguien pedía vacaciones, era angustioso. Al principio habían anotado dos semanas de vacaciones en la autorización, pero mi jefe las convirtió en una, incluido el domingo. Luego me dijo, un tanto cohibido: —Espero que pueda usted regresar en el tiempo requerido. —Claro que sí —le respondí—, nuestro pequeño salario no nos permitiría entretenernos en el camino. Acabó firmando con un gran trazo de la pluma. Las vacaciones habían sido otorgadas. En adelante ya no era soltero. Tenía una familia. De hecho este viaje lo había preparado con Fangfang desde hacía mucho. Ahora formábamos una familia; ya no podría ir al restaurante al recibir mi salario a principios de mes, invitar amigos, gastar a mi antojo y a finales de mes encontrarme sin un clavo, al punto de no poderme comprar un paquete de cigarrillos y verme obligado a hurgar en los bolsillos o a voltear las gavetas para desenterrar algunas monedas. Pero mejor ni hablar de eso. Decía que éramos felices. En nuestra vida tan corta, la felicidad es de hecho bastante rara. Tanto Fangfang como yo habíamos conocido una época en la que tuvimos que arrostrar las tempestades y hacer frente al mundo. Durante el periodo de gran catástrofe nacional, nuestras familias y nosotros mismos habíamos sufrido bastante, habíamos soportado no pocos infortunios. En cuanto a la suerte de nuestra generación, realmente teníamos de qué quejarnos. Pero no queríamos hablar más de esto; lo importante es que en el presente por fin conocíamos la felicidad. Teníamos dos semanas enteras de vacaciones, y aunque esta luna de miel se había reducido a la mitad, a nuestros ojos no había perdido en nada la dulzura de la miel. Tampoco hablaré de esta dulzura, todos ustedes son gente que ha vivido, la han conocido y, de todas formas, esta felicidad nos pertenece solamente a nosotros. No; de lo que les quiero hablar es del Templo de la Perfecta Benevolencia, el Yuan'ensi. El nombre de este templo carece de importancia, pues es un templo desierto, en ruinas, no es de ninguna manera un lugar famoso ni muy visitado. Aparte de la gente del lugar, nadie sabe de su existencia. Y aun entre los lugareños son raros los que conocen su nombre. En pocas palabras, es un templo derruido del que nadie se ocupa, donde nadie reza ni quema incienso. Lo encontramos por casualidad. Nunca hubiéramos sabido que el templo tenía un nombre si no hubiéramos tratado de descifrar los caracteres borrados en una estela que servía de fondo a un estanque, bajo una bomba. La gente de por allí lo conocía simplemente como el Gran Templo. Sin embargo, comparado con el Templo de las Ánimas Ocultas de Hangzhou, o con el Templo de las Nubes Azules de Pekín, realmente no era un rival de peso. De hecho no era más que un viejo edificio con doble alero, situado en una elevacion cercana a una capital de distrito. Frente a él aún se levantaba una gran puerta de piedra. El muro que rodeaba el patio se había derrumbado. Al correr del tiempo, los campesinos de los alrededores habían ido llevándose los ladrillos y las piedras que se utilizaron en la construcción para hacer sus casas o el cerco de sus pocilgas, y lo único que quedaba era el basamento circular invadido de hierbas silvestres. Se veía de lejos, desde la calle de la capital. Las tejas laqueadas de amarillo dorado relumbraban al sol atrayendo la mirada. Tenían algo muy seductor. Fue por casualidad que llegamos a esta capital de distrito. El tren se había detenido en la estación, pero no volvió a salir a la hora prevista; tal vez estaba esperando que pasara un tren rápido con un leve retraso. La gente que subía o bajaba del tren ya no se apresuraba, el andén estaba desierto y el empleado charlaba, de pie a la entrada del vagón. A lo lejos, más allá de la estación, los techos grises de las casas yacían en un pequeño valle, y un poco más lejos se veían las cadenas de exuberantes montañas. Esta capital parecía emanar calma y serenidad. De repente me pasó una idea por la cabeza: —¿Y si vamos a dar una vuelta? Fangfang estaba sentada frente a mí, me miraba con dulzura. Inclinó levemente la cabeza. Hablaba con los ojos. Nuestros nervios simpáticos vibraban al unísono. Sin decir ni una palabra más, bajamos súbitamente nuestro equipaje de la rejilla y corrimos a la salida del vagón. Una vez en el andén, nos echamos a reír: —Tomaremos el próximo tren. —También podríamos no partir —añadió Fangfang. Claro, era nuestro viaje de bodas. Íbamos adonde se nos antojaba, la felicidad de estar recién casados nos acompañaba a dondequiera. Éramos los más felices del mundo, perfectamente libres. Fangfang me dio el brazo, yo cogí las bolsas de viaje. De hecho queríamos provocar la envidia de los empleados del andén y de los innumerables ojos detrás de las ventanillas. Ya no tendríamos que buscar relaciones para lograr cambiar de puesto en la ciudad, ya no tendríamos que pedir auxilio a Juan ni a Pedro y ya no tendríamos que pasar apuros para conseguir autorización de residencia ni de trabajo. También teníamos un cuarto para nosotros solos, pequeño, cierto, pero muy bien puesto. Considerábamos que teníamos nuestro propio hogar, yo te tengo, tú me tienes. Ya sé lo que vas a decir, Fangfang: ¡Basta! Pero ¿qué importa? Precisamente queremos que todos compartan nuestra felicidad. Tenemos bastantes preocupaciones, ya los hemos importunado bastante, y también ustedes ya se tomaron muchas molestias por nosotros, ¿cómo darles las gracias? ¿Acaso con estos pocos dulces y unos cuantos vasos de alcohol en la boda? Les damos las gracias con nuestra felicidad, ¿qué tiene de incorrecto? Así llegamos a esta pequeña capital de distrito, esta pequeña y vieja capital de distrito, tranquilamente recogida en este pequeño valle. En realidad, distaba mucho de ser tan apacible como nos pareció desde la ventana del tren. Bajo los techos grises, los callejones llenos de animación hervían de gente. Apenas eran las nueve de la mañana; vendían legumbres, sandías, melones, manzanas recién cortadas y peras que también acababan de llegar al mercado. En la calle principal las carretas de mulas y los camiones formaban embotellamientos, los chasquidos de látigo y los gritos resonaban sin cesar en medio del ruido incesante del agudo claxon de los camiones. En ese instante, ya no teníamos en absoluto el mismo sentimiento que nos embargaba al penetrar en este tipo de capital en la época en que nos enviaron al campo. Hoy éramos visitantes de paso, viajeros; los tormentos internos y las penas de la gente ya no eran de nuestra incumbencia. Pero el ambiente de esta pequeña ciudad, el polvo que los camiones levantaban a su paso, el agua sucia que aventaban junto a los puestos de legumbres, las cáscaras de sandía que cubrían el suelo, las gallinas que los compradores esgrimían cabeza abajo, con las alas desplegadas, las plumas revoloteando, los cacareos, todo esto nos era perfectamente familiar. Todo lo que experimentábamos en relación con los habitantes de este lugar era una sensación de lujo. Por eso no podíamos evitar el sentimiento de superioridad propio de los habitantes de la ciudad que van al campo. Fangfang se apretaba contra mí cogiéndome del brazo y yo me estrechaba contra ella. Teníamos la impresión de que todos nos miraban. Sin embargo, no éramos gente de aquí; habíamos salido de otro mundo. Pasábamos junto a ellos, pero a nuestras espaldas no se trababa ninguna discusión; las personas de las que hablaban sólo podían ser gente que les era cercana. Y así llegamos hasta el final de la calle. Ya no había puestos de legumbres, los transeúntes eran cada vez más raros, la algarabía del mercado había quedado detrás de nosotros. Vi mi reloj: nos había bastado media hora para recorrer la calle desde la estación. Todavía era temprano. Nos aburriríamos esperando el próximo tren, mientras Fangfang se preparaba para pasar la noche aquí. No había dicho nada, pero parecía decepcionada. Hacia nosotros venía un hombre con aspecto de funcionario. Se veía por sus gestos y su forma de caminar. —Perdone —le dije—, ¿dónde se encuentra el centro de recepción del distrito? Nos echó un vistazo, luego me indicó la dirección con entusiasmo, cómo ir de acá para allá, cómo dar vuelta hacia el este por la izquierda, y luego, cuando viéramos un edificio de dos pisos de ladrillo rojo, ese sería el centro de recepción del comité del distrito. Me preguntó a quién íbamos a ver, como si quisiera mostrarnos el camino. Le ex plicamos que estábamos de paso, que andábamos de viaje y le preguntamos qué podríamos ir a ver. Se pegó con la mano en la frente, como si lo hubiéramos puesto en aprietos. Luego de reflexionar un poco, nos dijo: —Aquí no hay nada interesante que ver. Lo único que hay, si me permiten la indicación, es un gran templo, está en la colina hacia el oeste. Hay que escalar un poco y el camino no es bueno. —¡Perfecto! —exclamé—, precisamente venimos a andar en las colinas. —Sí, es verdad —añadió Fangfang en seguida—; no nos damiedo escalar. Entonces nos llevó a la vuelta de la esquina y nos enseñó el viejo templo en la punta de la colina de enfrente, el viejo templo cuyas tejas amarillas relumbraban al sol. —Ah, qué bien, muchas gracias. Pero él veía los zapatos de tacón alto que Fangfang llevaba puestos. Dijo: —¡Van a tener que meterse al agua para cruzar el río! —¿Está hondo? —pregunté. —Ha de llegar como a la rodilla. Miré a Fangfang. —No importa, sí puedo. Fangfang no quería decepcionarme. Le dimos las gracias y nos echamos a andar en la dirección que nos había indicado. Cuando ya habíamos tomado el camino polvoroso, no pude dejar de volver la vista a los zapatos nuevos de tacón alto y correas finas que llevaba Fangfang. Me arrepentí un tanto. Pero ella caminaba derechamente y con decisión. —¡De verdad estás loca! —le dije. —Me basta con estar contigo. ¿Te acuerdas, Fangfang? Lo dijiste apretándote contra mí. Entonces caminamos hacia la orilla del río. De lado y lado crecía maíz en los campos, más alto que un hombre. Un pequeño sendero se perdía entre las hojas verdes. No había rastro de nadie ni delante ni detrás de nosotros. Abracé a Fangfang y la besé dulcemente. ¿Eh?, ¿qué pasa? Bueno, ella no quiere que hable de eso, regresemos al Templo de la Perfecta Benevolencia. Se encontraba en una ladera de la colina, en la orilla opuesta. Entre las tejas de color amarillo dorado crecían matas de hierbas silvestres que se distinguían perfectamente. El agua del río era cristalina. Cogí en una mano los zapatos de tacón alto de Fangfang y mis sandalias de cuero. Le di la otra. Llevaba la falda arremangada. Avanzábamos a tientas, descalzos en el agua. Hacía mucho que no caminaba así. Hasta las piedras resbalosas del río se me clavaban en los pies. —¿Te duelen? —le pregunté a Fangfang. —Me gusta —respondiste en voz baja. Durante nuestra luna de miel hasta tener los pies doloridos era una sensación de felicidad. Y todas las desgracias del mundo parecían escurrirse entre los dedos de los pies. Parecía que hubiéramos regresado a la infancia, descalzos como niños que juegan en el agua. Fangfang saltaba de una piedra a otra, yo mantenía su mano en la mía y, a veces, tarareaba una canción. Una vez que cruzamos el río, corrimos hacia la colina, riendo y gritando. Fangfang se lastimó un pie y yo estaba terriblemente preocupado, pero ella me tranquilizó, no pasa nada, cuando me ponga los zapatos voy a sentirme bien. Yo dije que era mi culpa, pero ella dijo que si yo estaba contento, ella estaba satisfecha y que entonces quería lastimarse el pie. Está bien, ya no voy a decir nada, no importa. Como ustedes son nuestros mejores amigos, como ustedes se han tomado molestias por nosotros, debemos hacer que compartan nuestra felicidad... Así escalamos la colina hasta la puerta de piedra situada frente al templo. Pasando el muro del patio, que se había derrumbado, estaba un canal por donde corría un agua cristalina conducida en un tubo desde una estación de bombeo. Detrás del muro derruido, en el gran patio del templo, había un jardín de hortalizas y, muy cerca, una pila de excrementos. Esto nos recordó la época en que recogíamos los excrementos, en el campo. Ahora esos tiempos difíciles se los había llevado el viento. Sólo quedaban algunos recuerdos tristes, pero también muy dulces, y también quedaba nuestro amor. Bajo ese sol brillante teníamos la certeza de que nadie podría interferir en nuestro amor, que ya nadie podría molestarnos. Frente al gran templo aún se encontraba un brasero de metal. Seguramente era demasiado pesado, imposible de mover. Y era tan macizo que no podía romperse. Así que se había quedado frente al templo en ruinas, cuya entrada resguardaba. La puerta estaba cerrada con un candado. El enrejado de la ventana estaba completamente podrido. Ahora el templo debía hacer las veces de granero para el equipo de producción. En los alrededores ni un alma. Todo estaba en paz. El viento gemía entre los viejos pinos ante el templo. Como no había nadie que nos perturbara, nos acostamos en la hierba, a la sombra de los árboles. El viento de la montaña ahuyentaba el calor del verano y traía bocanadas de frescura. Fangfang se había acurrucado en mi pecho y mirábamos una nubecilla deshilacharse en el cielo azul. Sentíamos una felicidad indescriptible, una felicidad perfectamente serena. Hubiéramos podido seguir embriagándonos en esa calma, pero se oyó el ruido de un andar pesado. Los pasos resonaban en las baldosas de piedra. Me incorporé y volví la vista hacia ellos. Efectivamente, un hombre había flanqueado la puerta del templo y se dirigía hacia el sitio donde nos habíamos acostado. Fangfang se sentó a su vez. El hombre avanzaba en medio del camino de piedra. Era de mediana edad, corpulento, con el pelo revuelto, las mejillas invadidas por la barba, el rostro sombrío. Bajo el poblado entrecejo, una mirada glacial nos contemplaba. Paso a paso, seguía avanzando hacia nosotros. El viento gemía entre los pinos, teníamos un poco de frío. Seguramente vio nuestras miradas inquisitivas y alzó ligeramente la cabeza hacia el templo. Luego, entrecerrando los párpados, se puso a contemplar las hierbas silvestres que se mecían al viento entre las tejas laqueadas del techo relumbrantes bajo el cielo azul. Se detuvo ante el brasero y le pegó con la mano. De inmediato se elevó una vibración sorda. Sus dedos de grandes articulaciones nudosas parecían tan duros como el metal. En la otra mano llevaba una vieja bolsa raída de lona negra y brillante. No tenía en modo alguno el aspecto de un miembro de la comuna popular que hubiera venido a trabajar en la hortaliza. Se puso a mirarnos nuevamente, escudriñando los zapatos de tacón alto que Fangfang había arrojado a la hierba, así como nuestras bolsas de viaje. Fangfang se puso los zapatos inmediatamente. Nos tomó por sorpresa cuando nos saludó con un: —¿Andan de viaje? Asentí con la cabeza. —Hace buen tiempo, ¿no creen? —tenía ganas de trabar conversación. Bajo el poblado entrecejo, los ojos habían perdido su frialdad. Parecía un buen hombre. Llevaba unos zapatos de cuero descosidos de algunas partes, con suelas recortadas de una llanta. El ruedo de los pantalones estaba mojado; evidentemente había atravesado el río viniendo de la capital. —Aquí está fresco y muy bonito —dije poniéndome de pie. —No se levante, yo ya me voy. Parecía disculparse. Luego él también se sentó en la hierba, cerca del camino de piedra. Abrió su bolsa y nos preguntó: —¿Comen melón? —y sacó uno de la bolsa. —No, gracias. —Yo me apresuré a rechazarlo. Pero él nos arrojó el melón. Lo tomé y le hice señas de que se lo devolvería. —No es nada, traigo la bolsa llena de melones —dijo sopesando la bolsa de la que sacó otro melón. No podía seguir rechazándolo, así que saqué de la mía un paquete de bollos y se los ofrecí: —Pruebe usted también nuestros bollos. Cogió un pedazo de un bollo y lo puso encima de su bolsa. —Con eso me basta, coman —dijo, apretando entre sus grandes manos el melón que en seguida se abrió con un crujido. —Están limpios, los lavé en el río. —Luego dejó caer de la mano las semillas del melón y gritó en dirección a la puerta del templo—: Ven a descansar, ven a comer melón. —Aquí hay un grillo. —La voz de un niño nos llegó de más allá de la puerta. Un niñito con una jaula de malla de alambre en la mano apareció en la cuesta de la colina. —Está bien, voy a atraparlo —respondió el hombre. El niñito se dirigió hacia nosotros brincando y retozando. —¿De vacaciones? Yo también —averigüé acerca de ellos y partí el melón con las manos, imitándolo. —Hoy es domingo, lo traje a pasear —respondió. Absortos en nuestro festejo, habíamos olvidado en qué día estábamos. Fangfang me sonrió mordiendo el melón que yo había partido. Quería decirme que debíamos hacer algo bueno por alguien. En el mundo los hombres buenos siguen siendo los más numerosos. —Come, te lo regalan estos señores —dijo al niño que miraba el bollo de huevos y leche colocado encima de la bolsa. Evidentemente el niño, que seguramente había crecido en esta capital, veía por primera vez este tipo de bollo. De inmediato se apoderó de él. —¿Es su hijo? —le pregunté. No me respondió, sino que le dijo al niño: —Coge tu melón y vete a jugar. En seguida te atraparé un grillo. —¡Quiero cinco! —dijo el niño cogiendo el melón. —Bueno, cinco. El niño se fue corriendo, con la jaula en la mano. El hombre se quedó viendo la figura del niño, en las comisuras de los ojos se le formaron unas profundas arrugas. Bajo su apariencia severa se ocultaba la ternura de un padre. —No es mi hijo —dijo, bajando la cabeza y sacando un cigarrillo. Lo encendió y aspiró una larga bocanada. Comprendiendo nuestro asombro, prosiguió—: Es el hijo de mi primo. Quisiera adoptarlo, si es que él quiere vivir conmigo. De inmediato comprendimos que debían ser muchos los sentimientos que se arremolinaban en el corazón de este hombre rudo. —¿Y su esposa? —preguntó Fangfang sin poder evitarlo. No respondió, sino que siguió aspirando profundamente el humo de su cigarrillo antes de levantarse y alejarse. Sentimos la frescura del viento. En el techo de tejas laqueadas de amarillo dorado, los brotes nuevos de hierba que habían salido con la primavera, tan altos como las viejas espigas secas, se agitaban al viento. Los aleros del techo se dibujaban contra el cielo azul, una nube blanca pasaba, dando la impresión de que el universo se ladeaba. En la punta del alero una teja estaba a punto de caerse. Quizá llevaba años ahí, inmóvil. El hombre estaba de pie en el basamento del muro en ruinas, con los ojos fijos en el valle que se abría detrás de nosotros. A lo lejos se veían las ondulaciones de una colina, más alta aún que la colina donde estábamos y más escarpada también. En la ladera no se veían ni campos en terrazas ni casas. —No debiste de haberle hecho esa pregunta —le dije. —Ya no hablemos de ello. —Fangfang parecía molesta. —¡Aquí hay un grillo! —La voz del niño nos llegaba desde la colina. Parecía estar muy lejos, pero lo oíamos perfectamente. El hombre se fue en esa dirección, columpiando en el extremo del brazo la pesada bolsa de los melones. Bajó la cuesta. Tomando a Fangfang del brazo, la atraje hacia mí. —Déjame. —Se soltó. —Tienes pasto en el pelo —le expliqué, quitándole una aguja de pino enredada en sus cabellos. —Esa teja se va a caer —dijo Fangfang. También ella se había fijado en la teja rota de color amarillo dorado que iba a desprenderse. Murmuró—: Sería lo mejor, no vaya a ser que lastime a alguien. —Todavía puede tardar mucho —le dije. Fuimos al terraplén donde se había detenido el hombre. El pequeño valle estaba cubierto de campos con densos sembrados de maíz y mijo, de un verde intenso, que esperaban la cosecha de otoño. A nuestros pies, en un rellano, se apretujaban algunas casas de adobe con las paredes encaladas hasta la mitad. El sendero que descendía por el valle pasaba cerca de las casas. Llevando al niño de la mano, el hombre caminaba por la vereda que serpenteaba entre los plantíos. De repente, el muchacho se puso a caracolear como un caballo al que le hubieran soltado la brida. Se echaba hacia adelante, se daba la vuelta y luego regresaba hacia atrás, columpiando su jaula de malla de alambre en dirección al hombre. —¿Crees que vaya a atraparle grillos? Te acuerdas, Fangfang, que me hiciste esta pregunta. —Claro, claro —te dije. —¡Quiero cinco! —dijiste con tono malicioso. Esto, esto es lo que yo quería decirles sobre el Templo de la Perfecta Benevolencia adonde fuimos de viaje para nuestra luna de miel. - FIN